cinemafestival / Shutterstock.com

Uso ético del contenido web

El tema del uso ético de los contenidos alijados en Internet, es una discusión importante a todos nieveles, desde el usuario, empresas, hasta instuituciones gubernamentales, pero más allá de las leyes que pretenden regular (de mala manera)  hay reglas no escritas sobe el uso de los contenidos ajenos, un uso ético que depende totalmente de los valores y el sentido común de los usuarios, principio básico que evolucionaba antes de la intervención oficial.

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El hecho de que esté en Internet no lo hace propiedad de todos, a menos que el autor dé permiso explícito para su uso y/o modificación. Para eso se crearon  las licencias Creative Commons, una alternativa para quienes quieren y gustan de compartir con una comunidad sus creaciones, pero incluso dentro de este tipo de licencias, existen categorías que   contribuyen a compartir, copiar, mezclar, modificar, distribuir contenidos dentro de un ambiente de orden.

Aunque sin duda este ha sido un camino muy largo, ya que este tipo de licencias no cumplen con las expectativas de una industria acostumbrada a poseer la totalidad de derechos en sus creaciones. La música, el cine,  televisión y las editoriales por su larga pelea con la piratería se resisten a pensar que liberar ciertos contenidos puedan continuar dándoles ganancia económica ya que es un modelo   comercial desconocido.

Aunque existen ejemplos de buenos acuerdos que hay podido posicionar a artistas y/o sus obras dentro del público de Internet y llevado esa fama al mundo 1.0, hay otros sectores que no terminan de adoptar esta forma de compartir contenidos ya que existe otro lado, el abuso por parte de usuarios que siguen omitiendo el dar sus respectivos créditos al o los autores de un texto, una imagen o un video.

En poco tiempo la nueva oleada de usuarios podría adaptar el uso de las licencias Creative Commons y beneficiarse de ello.

Algunos consejos

Texto: Utiliza la etiqueta para indicar que se trata de una cita textual y coloca la referencia hacia el sitio de donde lo copiaste, y si se trata de una fuente que no se encuentre en Internet, coloca su nombre.

Imágenes: La mayoría de los CMS tienen la opción para colocar una leyenda a la imágen, úsala, no cuesta nada.

Videos: No bajes los videos y los subas a tu canal, todos los sistemas, permiten embeber el reproductor, copiando un código HTML. Si creas tus propios videos, existen muchos servicios para descargar música con licencia Creative Commons; el mismo YouTube te proporciona algunos temas que puedes usar desde su editor de video, si haces esto, no tendras problemas porque tu video se quede sin audio o sea reclamado por violar alguna licencia.

Estatus de redes sociales: Aparte del Retweet o el Compartir en Twitter y Facebook respectivamente, ambas redes nos dan la opción de incertar las publicaciones de sus usuarios por medio de un código HTML, con esto respetaremos la autoría de los contenidos sociales.

En muchos casos, el uso de estas y otras prácticas traerán benecios de posicionamiento de tus sitios y contribuirás con un pingback o un trackback a otros.

Puedo quedarme muy corta en el tema ya que además de ámplio, implica mucha información por eso espero sus comentarios para compartir más sobre tema.

Satya Nadella:

Ya es oficial, Satya Nadella como CEO de Microsoft

Satya Nadella:
En el momento en el que Steve Ballmer anunció su renuncia como CEO de Microsoft, los nombres de candidatos empezaron a salir, aunque para muchos el nombre más lógico para ocupar el puesto de una de las empresas más importantes del mundo era el de Satya Nadella, ese nombre ya se ha confirmado.

El gran acierto de Satya Nadella es guiar a Microsoft hacia los servicios en la nube, un gran paso para servicios como Bing, Xbox y Microsoft Office, ya que lo puso en la mira de muchos clientes que hasta ese momento sólo tenían como opción los servicios de Google.

Junto con la noticia de nuevo CEO, también se anuncia un regreso de Bill Gates como “Fundador y Asesor de Tecnología” que le da un toque de experiencia a la nueva dirección. El puesto que toma Nadella seguramente no será nada fácil de llevar, pues tendrá la presión dentro y fuera de la empresa para darle aires de innovación, en un mercado que no ha recibido como ellos quisieran sus productos.

Microsoft tiene muchos temas pendientes, su sistema operativo, el rechazo añejo a su navegador, la poca penetración de su buscador, entre otros más, sin embrago, es un bueno momento en el que se pueden aprovechar algunos de los errores de Google y el aumento de detractores.

Fuente: Techcrunch

 

47Ronin poster espanol

Elenco 47 Ronin

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KEANU REEVES (Kai) es uno de los protagonistas masculinos más buscados de Hollywood. Reeves recientemente hizo su debut como director con Man of Tai Chi, que se rodó íntegramente en China.  Reeves no sólo dirigió la película, sino que también la protagonizó. Man of Tai Chi se estrenó en China en junio y se lanzará a nivel mundial este otoño.

En 2012, el documental producido por Reeves Side By Side hizo su debut teatral y VOD y fue aclamado por la crítica.  El documental, que explora la historia de la cinematografía y el impacto de la nueva tecnología digital, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín.  En la película, dirigida por Chris Kenneally, Reeves entrevistó a algunos actores principales de Hollywood, incluyendo a James Cameron, David Fincher, David Lynch, George Lucas, Danny Boyle, Martin Scorsese, Christopher Nolan, Steven Soderbergh, Lars von Trier y los Wachowski.

Los créditos cinematográficos recientes para Reeves incluyen Generation Um…; Henry’s Crime de Mark Mann, que ambos protagonizaron y produjeron; The Private Lives of Pippa Lee de Rebecca Miller, frente a Robin Wright; la épica de 20th Century Fox The Day the Earth Stood Still, junto a Jennifer Connelly; el thriller policial Street Kings, frente a Forest Whitaker; el drama romántico The Lake House, frente a Sandra Bullock; y A Scanner Darkly, una muy estilizada combinación de acción en vivo y animación.  Reeves también protagonizó la adaptación cómica de Constantine, frente a Rachel Weisz; la película independiente Thumbsucker; la comedia romántica Something’s Gotta Give, frente a Jack Nicholson y Diane Keaton; y la serie increíblemente popular The Matrix.

La larga lista de créditos de Reeves incluye Hardball, The Gift, frente a Cate Blanchett, Sweet November, The Replacements, A Walk in the Clouds, el exitoso thriller Devil’s Advocate, frente a Al Pacino y Charlize Theron, Little Buddha y Much Ado About Nothing, frente a Denzel Washington, Emma Thompson y Michael Keaton.  A Reeves también se lo vio en Dracula de Bram Stoker, My Own Private Idaho, Point Break, la muy popular Bill & Ted’s Excellent Adventure y su secuela, Bill & Ted’s Bogus Journey.

Criado en Toronto, Reeves realizó varias producciones teatrales locales y en televisión antes de reubicarse en Los Angeles. Su primer papel muy aclamado fue en River’s Edge de Tim Hunter. Luego, protagonizó en Permanent Record de Marisa Silver y junto a Amy Madigan y Fred Ward en The Prince of Pennsylvania.  Sin embargo, llegó la hora de otro giro cuando Reeves fue seleccionado como el inocente Danceny en la muy elogiada Dangerous Liaisons de Stephen Frears, junto a Glenn Close, John Malkovich y Michelle Pfeiffer. Se unió a otros elencos destacados ese año en la comedia de Ron Howard Parenthood y I Love You to Death de Lawrence Kasdan. El público vio a Reeves por primera vez como el protagonista romántico frente a Barbara Hershey en Tune in Tomorrow de Jon Amiel, coprotagonizada por Peter Falk.  Sus créditos adicionales incluyen el thriller de ciencia ficción de TriStar Johnny Mnemonic, la película de acción Chain Reaction de Andrew Davis y la comedia negra de Steve Baigelman Feeling Minnesota.

 

Como uno de los actores más talentosos y más respetados de Japón de su generación, HIROYUKI SANADA (Oishi) ha cosechado la atención del público estadounidense y extranjero con más de 50 películas y un Oscar® japonés.

Se podrá ver a Sanada en The Railway Man, junto a Colin Firth y Nicole Kidman. La verdadera historia épica basada en la autobiografía de Eric Lomax se centra en torno a dos hombres perseguidos por sus experiencias en el famoso Death Railway en la Segunda Guerra Mundial a quienes se reúne para una devastadora confrontación final. Sanada interpreta a Nagase, el intérprete en el campo de prisión japonés durante la Segunda Guerra Mundial en donde Eric Lomax (Firth) es prisionero. La película se estrenó en el Festival de Cine de Toronto de este año. Fue seleccionada para la distribución local por The Weinstein Company, y se lanzará en Estados Unidos en 2014. Lionsgate International ha establecido acuerdos para el lanzamiento internacional a partir de diciembre de 2013, incluyendo Australia, Japón, España y el Reino Unido.

Sanada actualmente está en la etapa de producción de la serie original de SyFy Channel Helix, en donde forma parte de un equipo de elite de investigadores CDC que investigan un misterioso brote viral en el Círculo Ártico, un brote que tiene implicancias para toda la humanidad.  El programa se estrenará en enero de 2014.

A Sanada se lo vio últimamente en la película de acción de James Mangold The Wolverine, frente a Hugh Jackman, para 20th Century Fox.  En la película, Sanada protagonizó a Shingen, un jefe del delito y un enemigo principal de Wolverine (Jackman).  La película se lanzó el 26 de julio de 2013.

Sanada comenzó su carrera en cine cuando tenía cinco años, y más tarde ganó el premio de la Academia Japonesa por su papel en The Twilight Samurai, en donde interpretó a un samurai de bajo rango de mediados del siglo XIX empleado como burócrata.  La película también fue nominada para un Academy Award® como Mejor película en idioma extranjero.  Después de este éxito, Sanada dejó su marca en el público estadounidense cuando protagonizó junto a Tom Cruise en The Last Samurai de Ed Zwick.

Desde entonces, Sanada ha participado en diversas películas destacadas que incluyen The City of Your Final Destination de James Ivory, junto a Anthony Hopkins; The White Countess, frente a Ralph Fiennes; el thriller de ciencia ficción de Danny Boyle Sunshine, con Chris Evans y Rose Byrne; el thriller de acción Speed Racer, junto a Susan Sarandon y Emile Hirsch; Rush Hour 3 de Brett Ratner; The Promise de Chen Kaige, un romance de fantasía épico chino; y la espeluznante serie Ringu.

En televisión, Sanada tuvo un arco protagónico como invitado en la primera temporada de Revenge de ABC, en donde interpretó a Kiyoshi Takeda, el mentor de Emily (Emily Van Camp) y asesor espiritual que le ofrece el manual de vida y las precauciones que trae aparejadas. También protagonizó en múltiples episodios de la serie galardonada con el Primetime Emmy Lost, en donde interpretó el papel de Dogen en la temporada final.   Más allá de la televisión, Sanada se convirtió en uno de los pocos actores extranjeros en salir de gira con la Royal Shakespeare Company en una producción de King Lear, con Nigel Hawthorne.

Sanada es cinturón negro de karate y está entrenado en la danza tradicional japonesa y el tate del manejo de la espada japonés.  Actualmente reside en Los Ángeles.


            TADANOBU ASANO (Lord Kira) nació en Yokohama-shi, Kanagawa, Japón el 27 de noviembre de 1973.

Los créditos cinematográficos de Asano incluyen Ichi the Killer de Takashi Miike (2001), The Blind Swordsman: Zatochi de Takeshi Kitano (2003), Last Life in the Universe de Pen-Ek Ratanaruanng (2004), Mongol: The Rise of Genghis Khan de Sergei Bodrov (2007), que fue nominada como Mejor película en idioma extranjero en los 80th Annual Academy Awards®.  Asano hizo su debut en Hollywood en Thor de Kenneth Branagh (2011), seguida de Battleship de Peter Berg (2012) y Thor: The Dark World de Alan Taylor (2013).

Asano ganó el premio Upstream Prize como Mejor actor en el 60mo Festival de Cine de Venecia en 2003 por su papel en Last Life in the Universe.

Teniendo una presencia distintiva, Asano es uno de los actores japoneses líderes de la pantalla grande y es aclamado por sus actuaciones a nivel mundial.

 

La nativa japonesa RINKO KIKUCHI (Witch) ha demostrado rango y profundidad en cada papel que interpreta.  A Kikuchi se la vio más recientemente en el thriller de ciencia ficción en Pacific Rim.

Kikuchi aterrizó en su primer papel profesional en la película japonesa Ikitai en 1999.  Desde entonces, ella ha exhibido su talento como actriz, protagonizando películas japonesas aclamadas por la crítica como Hole in the Sky (2001) y The Taste of Tea (2004), y continúa ganando popularidad dentro de la industria cinematográfica de Japón.

Kikuchi fue catapultada a la escena cinematográfica internacional con su papel nominado al Academy Award®  como Mejor actuación de una actriz en un papel secundario en Babel de Alejandro González Iñárritu (2006).  Al interpretar el papel de la joven estudiante secundaria sorda Chieko con ferviente energía y compromiso, Kikuchi logró una reputación destacada a nivel mundial por su actuación dramática.  La película cosechó siete nominaciones al Academy Award®, asegurando el estatus de Kikuchi como una de las jóvenes actrices protagónicas de Hollywood.

Kikuchi continuó su éxito con una serie de películas internacionales muy aclamadas como The Brothers Bloom de Rian Johnson (2008), con Adrien Brody y Rachel Weisz; Map of the Sounds of Tokyo de Isabel Coixet (2009), con Serge Lopez; Shanghai de Mikael Håfström (2010), con John Cusack y Ken Watanabe; y Norwegian Wood de Anh Hung Tran (2010), una muy esperada adaptación de la novela homónima de mayor venta a nivel internacional de Haruki Murakami.

Kikuchi es oriunda de Hadano, Japón, y es una habilidosa espadachina y una lograda motociclista y jinete.  En 2007, fue nombrada una de las 10 actrices para ver de Variety.

 

KO SHIBASAKI (Mika) nació en Tokio en 1981.  La carrera actoral de Shibasaki despegó con Battle Royale en 2000 y Go en 2001. Ella ganó reconocimiento por su delicada actuación en Go, obteniendo varios premios, incluyendo Mejor actriz secundaria en los Premios de la Academia Japonesa.  Pronto se convirtió en una de las actrices protagónicas más taquilleras con muchos éxitos de taquilla como Yomigaeri, Crying Out Love in the Center of the World, Japan Sinks, Shaolin Girl, Suspect X, Rinco’s Restaurant y The Lady Shogun and Her Man.  47 Ronin es el debut en Hollywood de Shibasaki.

Ella ha sido una estrella en la escena de la música japonesa durante muchos años. Su carrera como cantante comenzó con su primer sencillo en 2002, “Trust My Feelings”, pero sus habilidades como cantante recibieron un reconocimiento significativo con el lanzamiento de su segundo sencillo, “Tsuki no shizuku”, una canción usada en Yomigaeri, que también fue uno de los mejores éxitos J-Pop de 2003. La primera canción de navidad de Shibasaki, “Actuality”, fue lanzada en diciembre de 2006, con “At Home” lanzada el 21 de febrero de 2007. Ambas no llegaron a las 10 primeras en los ránkings Oricon.  Su siguiente sencillo, “Hito Koi Meguri”, lanzado el 28 de marzo de 2007, alcanzó el puesto número 8 de los ránkings.  Se convirtió en su primer sencillo en llegar a los 10 primeros desde “Invitation”.  El 25 de abril de 2007, el tercer álbum de Shibasaki “KiKi” fue lanzado y llegó directamente al número 1. El 3 y el 5 de agosto, Shibasaki dio sus primeros conciertos, Ko Shibasaki Premium Live, en Osaka y Tokio. Los 2.400 espectadores fueron seleccionados entre más de 30.000 postulantes para conseguir entradas (que acompañaban el álbum).

En abril de 2008, Shibasaki lanzó dos álbumes exitosísimos, “The Single Best” y “The Back Best”. El primer álbum llegó a la cima de los ránkings Oricon (la primera vez que Shibasaki alcanzó el primer lugar en el ranking semanal), mientras que “The Back Best” permaneció en tercer lugar.

Shibasaki escribe las letras para la mayoría de sus canciones.  Muchos de sus sencillos se han convertido en temas musicales de varias películas y comerciales.

47Ronin poster espanol

Notas de producción: 47 Ronin

47Ronin poster espanol

Aprovechar la eternidad:

Los Ronin renacen

 

Cuando el director Carl Rinsch leyó el tratamiento original del guión, él admite que se sintió intrigado por el amor eterno, escenarios elaborados y criaturas fantásticas que estaban ambientadas contra un telón de fondo histórico real.  El realizador recuerda: “Sabía poco sobre la historia de los Ronin, la historia tradicional de ellos, pero por supuesto esta es una iteración creativa de eso.”  Después de reunirse con Universal para debatir, Rinsch compró el proyecto que él deseaba hacer como su debut cinematográfico.

Para la productora Pamela Abdy, el guión ofrecía un relato único de un mundo salvaje y un hombre que sacrificaría todo para salvarlo.  Ella reflexiona: “Los temas de la historia como el honor, la venganza y el amor son ideas universales y podemos identificarnos con estos personajes y sus emociones, anhelos e injusticias.  A través del viaje de nuestro héroe, nos transportamos a una aventura fantástica e imaginativa.  Pero en su esencia, la película se basa en el deseo humano básico de reparar una injusticia que estás sufriendo.”

Los realizadores no sólo buscaban crear una producción que entretuviera al público, sino que estaban comprometidos a honrar la historia nacional de un país.  La leyenda de los 47 Ronin es amada en Japón; de hecho, los bancos y las escuelas cierran cada año para honrar a estos hombres que dieron sus vidas por su país.  La historia se ha transmitido de una generación a otra y la tradición no sólo permite, sino que también promueve la historia de los Ronin para que sea elaborada a través de los diferentes medios, a través de versiones creativas conocidas como Chūshingura.  Cada relato e interpretación retiene la estructura histórica de los Ronin, y la tradición invita al embellecimiento artístico de ella.

Analizando este método que honra el tiempo, Rinsch ofrece: “La tradición de Chūshingura es el relato de los eventos históricos de los 47 Ronin.  Fue nuestro objetivo mantener y respetar las emociones y los temas fundamentales de la verdadera historia, pero viéndola a través de la lente que la hizo pertinente para el público contemporáneo.  El público mundial del cine actual habla en una lengua vernácula de fantasía, ciencia ficción y superhéroes.  Para mí, la intención era tomar el Chūshingura japonés y darle un amplio alcance internacional presentándolo de manera tal que utiliza esta nueva paleta hollywoodense.”

El productor Eric McLeod acuerda con Abdy y Rinsch respecto de estar fascinado por el relato transmitido a través de generaciones que honra la historia colectiva de un país.  El productor advierte: “Lo que me inspiró para trabajar en 47 Ronin fue que no sólo disfruto del aspecto histórico de la película, sino que también disfruto del aspecto fantástico, el alcance y la creación del mundo que presenta.”

Al investigar sobre la película, el director se inspiró en el arte de maestros como Miyazaki, Hokusai y Hiroshige.   Rinsch comenta: “Cuando estudié estas pinturas, vi que había un mundo entero de fantasía allí.  Y pensé: “Si puedo expresar este mundo, entonces tenemos algo por delante.”

A partir de allí, Rinsch y su equipo comenzaron a investigar los aspectos fantasiosos de 47 Ronin, incluyendo criaturas que desde hace tiempo forman parte del folklore japonés.  Estaban sorprendidos por las voluminosas bibliotecas que encontraron.  Rinsch advierte: “Tienes el Yōkai; el Oni, que es un gran ogro japonés; los guerreros Tengu, que son guerreros aves.  Es esta colección de personajes fantásticos que nos dan tantas direcciones sorprendentes en las cuales explorar.”

A medida que los realizadores cerraron el guión de rodaje y comenzaron la preproducción, descubrieron que la clave era equilibrar la escala con el personaje.  Abdy comenta: “La historia abraza las emociones de amor, dolor y pena y debe ser tranquila en estos momentos.  Entonces, cuando necesitamos, tiene que ser grande y audaz al mismo tiempo.  Desde el punto de vista del tono, tratamos de equilibrar la acción y el espectáculo con los personajes que se reúnen y se relacionan entre sí.”

 

Descubriendo a Kai:

Keanu Reeves se suma al proyecto

 

Uno de los primeros esfuerzos involucrados en la selección de actores de 47 Ronin era encontrar un actor con la presencia, el aspecto físico y la resistencia para interpretar el exigente papel del héroe de la película, Kai, una figura de dos mundos.   Keanu Reeves, amado por el público mundial por su trabajo en épicas que fueron éxitos de taquilla como la trilogía The Matrix, en donde le da un centro humano a un mundo de fantasía complejo e imaginativo, fue una opción ideal y se convirtió en un verdadero socio de la producción.

“Buscamos a Keanu desde el principio”, expresa Abdy.  “Él participaba del proyecto dos años y medio antes de que comenzáramos a rodar y siempre ha sido un socio durante todo el proceso.  Él no sólo es el actor adecuado sino que ha sido un colaborador entusiasta en muchos aspectos de la producción.”

“Me sentí atraído por el mundo que creaba”, comenta Reeves. “Me relacioné con ella como un occidental.  Es una película que trata grandes temas universales como el honor, la venganza y el amor.”  De hecho, Reeves trabajó para desarrollar el guión con los autores Morgan y Amini, antes de reunirse con Rinsch por primera vez.  Él comenta: “Chris y Hossein tienen esta increíble capacidad para darle vida a esta sorprendente versión de los Ronin que se extiende entre lo real y lo fantástico.”

Al sentarse con Rinsch, Reeves se fascinó con su visión del proyecto y la fluidez del lenguaje visual necesario para darle vida a esta historia.  El actor elogia: “Carl siempre tuvo una conexión con la película que se basa en la emoción, y está abierto a compartir y colaborar.  Es un estilista fantástico y ha sido fenomenal en tomar este mundo ficticio de fantasía y convertirlo en uno real.”

Rinsch fue igualmente entusiasta respecto de trabajar con este protagonista.  Él se entusiasma: “Keanu es más que simplemente un actor.  Él es un colaborador en todo nivel.  Es alguien a quien puedo recurrir y hacerle una pregunta, obtener una respuesta reflexiva y no necesariamente tiene que ver con su personaje.”

Para esta recreación del relato de 47 Ronin, y de acuerdo con Chūshingura, el personaje de Kai es un nuevo agregado al canon.  Un mestizo huérfano que no confía en nadie, Kai simboliza al intruso eterno, que lucha para encajar en una cultura arraigada en su profundo sentido de nacionalidad.  Reeves dice que el relato de Kai resulta familiar para muchos: “En este viaje, Kai se esfuerza por se incluido y aceptado; esa es una historia con las que muchas personas se pueden relacionar.  Este tipo de historia de inmigrantes se puede narrar: ese anhelo por la aceptación a la vez que conserva su individualidad.”  Para el actor, es un honor presentar el relato a un público mundial.  Reflexiona: “Como todas las grandes historias, esta funciona en el sentido de su universalidad.”

 

Un ensamble internacional:

Elenco secundario

 

Para Rinsch, los productores y Reeves, redondear el elenco significó elegir minuciosamente a lo mejor y lo más brillante del cine asiático.  Desde los veteranos de acción y agasajados nominados al Oscar® hasta estrellas nacientes de la escena de música pop, los realizadores seleccionaron una sorprendente muestra de actores para la película épica.

Un producto principal de las películas japonesas que se vio más recientemente en el éxito mundial The Wolverine, Hiroyuki Sanada ha recibido seis nominaciones a los Premios de la Academia Japonesa y lo ha ganado en dos oportunidades.  Para el elenco y el personal, la selección de Sanada como Oishi, el líder del samurai, representó que este giro occidental en la historia de 47 Ronin había ganado el sello de aprobación japonés.  Sanada asumió la responsabilidad de asegurarse que esta nueva toma sobre el amado relato se mantuviera fiel a su origen, incluso si introducían elementos frescos y fantásticos.

Sanada creció con la leyenda y valoró la oportunidad de explorar un relato de ella.  Él comenta: “Primero lo vi en televisión cuando tenía siete.  Mi hermano y yo solíamos simular que éramos los personajes.  Cuando me convertí en un niño actor, siempre imaginé cuando interpretara a Oishi.  Esperé largo tiempo y que me ofrecieran el papel en una película estadounidense fue una grata sorpresa.

“Hubo mucha presión para mí porque Oishi ha sido interpretado por muchos actores que yo admiro”, agrega Sanada.  “Pero esta versión tiene muchas diferencias con la tradicional.  La emoción y la intención son las mismas, pero Oishi es mucho más humano aquí, con debilidad, dudas y contratiempos.  Hay un equilibrio entre autenticidad y fantasía, y esta es una maravillosa oportunidad para presentar la historia a un público japonés más joven, así como la cultura japonesa al mundo.  Hay algo allí para las personas de cada país.  No es sólo una historia japonesa.  Se trata de respeto, amistad y amor.”

Habiendo trabajado en varias películas occidentales y con múltiples realizadores estadounidenses, Sanada reflexiona sobre la experiencia de rodar con Rinsch:  “El primer día de trabajo con Carl, me di cuenta de que él no sólo observaba y escuchaba, sino que tenía el don de sentir la emoción de una escena.”

Rinsch facilita la percepción acerca de por qué Sanada fue elegido para interpretar al guerrero que lucha junto a Kai:  “El personaje de Oishi es una lámpara en la luz de día.  No sabes cuán fuerte es hasta que se pone oscuro.  Pienso que Hiro Sanada es un actor tan estoico y poderoso; él explota en la acción cuando las cosas se ponen difíciles.  Puede luchar como nadie que hayas visto antes.”

Para su papel, Sanada es igual de entusiasta respecto de la experiencia de colaborar con el protagonista de la película.  “A partir del período de ensayo, compartimos mucho tiempo juntos, cerca de seis meses”, reflexiona.  “Preparamos los diálogos y practicamos muchas escenas de lucha, así que física y mentalmente compartimos mucho.  Keanu siempre es muy calmo y respetuoso.  Lo respeto mucho, como actor y como persona.”

Reeves le devuelve los elogios con una breve frase: “Nunca tuve un hermano antes, pero ahora tengo uno.”

La productora Abdy extrapola que Sanada fue un mentor para aquellos en el escenario: “Hiroyuki representa el papel de Oishi.  Es un actor maravillosamente generoso y ha sido increíblemente útil para nosotros al abrazar el mundo y entender la cultura.  Maneja todo con gracia, estilo y elegancia, y aporta eso en su actuación.”

Para interpretar a Mika, el interés amoroso prohibido de Kai, los realizadores querían una actriz que pudiera representar a una princesa real que estuviera dispuesta a desafiar la tradición.  Recurrieron a uno de los fenómenos musicales de Japón, la multitalentosa Ko Shibasaki.  Rinsch reflexiona: “Ko era alguien a quien no conocía antes de comenzar el proceso.  Ella tenía una enorme carrera como cantante y una gran facilidad para la actuación.  Había hecho un trabajo sorprendente, y yo espero que siga adelante para ser incluso más legendaria en cada camino que elija.”

Reeves resume la relación entre Kai y Mika: “El intruso y la princesa: un amor imposible.  Debido a que está en peligro e insatisfecho, el deseo de Kai por Mika es lo que impulsa gran parte de la historia.”  Trabajar con Shibasaki ha sido un punto destacado en la filmación para Reeves.  Él comenta: “Ko es una estrella de rock impresionante.  Puede hacer lo que sea.  Tiene tanta vulnerabilidad, elegancia y belleza en su actuación.”

Al aceptar el papel, Shibasaki vio una oportunidad para que Hollywood contara una historia japonesa desde una perspectiva nueva.  Ella expresa: “Los japoneses tienden a ser tímidos y no siempre expresan sus opiniones abiertamente.  Carl siempre me impulsó a sentir y expresar más las cosas, y a sacar mis expresiones naturales.  Él es una persona amable, de mente abierta, por lo cual creo que resultó tan fácil zambullirme y correr riesgos.”

Mika es deseada no sólo por Kai sino también por el villano Lord Kira, que busca reclamar toda la tierra que le pertenece a Lord Asano.  Para interpretar al antagonista, los realizadores incorporaron a Tadanobu Asano, que cruzó el mundo con uno de sus espectaculares interpretaciones de firma en Ichi the Killer y saltó a la fama internacional como el compañero de Thor Asgardian, Hogun, en Thor y Thor: The Dark World.

Asano explica un poco sobre la motivación de su personaje: “Mika es una persona muy importante en Ako.  Al controlar a la princesa, él podrá obtener Ako, que es algo que siempre había querido.  A nivel más personal, él ve en Mika una calidad de amor que no tiene; él desea controlar de alguna manera ese poder de amar que ella simboliza.”

Asano desde siempre ha tenido conexión con la historia de 47 Ronin.  De hecho, él comparte un nombre con el lord feudal en el centro de la historia.  El actor comenta: “Cuando era pequeño, la historia aparecía con mucha frecuencia en televisión o en una película y mi abuela solía decir: “Tú también eres un Asano.”  Es irónico que yo haya terminado interpretando el papel opuesto.”

En cambio, al igual que el villano Lord Kira, Asano también dice que encontró una forma simple de identificarse con su carga oscura.  Él explica: “Podría parecer loco por el poder y arrogante, pero si cambias tu perspectiva un poco, se lo puede ver como un hombre muy encantador.  Hay, por supuesto, algo fundamentalmente mal en él, pero eso lo convierte en un personaje muy interesante de interpretar.”

Asano cree que la película debe tener vida propia, al margen de las diversas interpretaciones japonesas.  Él explica: “Debido a que esta es una historia tan popular en la cultura japonesa, ha sido interpretada en muchos medios diferentes y en muchas versiones distintas.  Todas ellas han seguido un conjunto de reglas tácitas sobre la historia.  Carl pertenece a una cultura diferente, así que aporta una perspectiva totalmente nueva y es capaz de llevar la historia a sus temas universales.  Él ha creado algo original que es leal a los temas de la historia y también le infunde vida nueva.”

Si bien Asano y Reeves no comparten ninguna escena, Reeves disfrutó de observarlo trabajar.  Se ríe: “Él es un buen chico malo.  Enfrenta a la vida como si todo le perteneciera.  Vi este primer plano de él observando bailar a algunos bailarines, y fue como si él estuviera diciendo: “Por puesto, están bailando para mí. Todo es para mí: la luna es para mí; el sol es para mí.”

La nominada al Oscar® Rinko Kikuchi, que captó la atención mundial con su sorprendente actuación en Babel y a quien se la vio más recientemente en Pacific Rim, analiza su exposición con el legendario relato:  “Conocía esta historia desde que aprendí sobre ella en la escuela, pero esta película será muy diferente de las versiones que el público japonés ha visto.  Las criaturas, los escenarios y los personajes son totalmente nuevos.”  Incorporada a la producción para interpretar a la artera Bruja, la actriz sabía que tendría por delante días plenos de desafíos.  “Mi personaje no existe en la versión original, pero le aporta un elemento fantástico a esta historia y me divertí mucho.”

Kikuchi estaba fascinada de interpretar un papel tan fuerte.  La actriz comenta: “Es divertido interpretar a una mujer tan salvaje.  Carl me dijo que mi papel sería provocativo, sexy y salvaje.  La Bruja cambia de forma, es clarividente y le hace bromas a los demás, pero no es una bruja típica.  Tiene el corazón de una mujer, pero simplemente sigue su instinto.”

El objetivo de Rinsch ha sido mostrarle al público un lado de Japón que nadie ha visto nunca, y simultáneamente rendirle homenaje a las tradiciones culturales del país.  “Los japoneses también quieren ver algo nuevo”, agrega Kikuchi.  “En lugar de una historia tradicional interpretada y creada por japoneses, nos gustaría ver esta historia tradicional desde un nuevo ángulo.  Esta película logra un equilibrio perfecto entre lo que es universal y algo totalmente creativo y nuevo.”

Jin Akanishi—que también es un fenómeno en su Japón natal, en donde hasta ahora era conocido como una estrella de la música pop —interpreta a Chikara, el hijo de Oishi.  Abdy analiza el personaje: “Chikara fue obligado a convertirse en un hombre a muy temprana edad.  Oishi, como cualquier padre, sólo desea protegerlo.”  De su intérprete en pantalla, ella agrega: “Jin ha hecho un fantástico trabajo con el papel.  Aprendió mucho en la película, y estoy fascinada de haberlo seleccionado.”

Akanishi se entusiasmó con la posibilidad de unirse a la producción.  Él elabora respecto de la historia de su personaje, que es instruido por Kai en el estilo de lucha de los Tengu: “Chikara comienza como un niño que desea ser un samurai.  Durante la historia, él crece.  Es el único que realmente entiende a Kai y lo trata como a un amigo.”

Abdy recuerda haberle preguntado a Akanishi si él y sus amigos estaban familiarizados con la historia de 47 Ronin: “Él respondió: “No, es algo sobre lo que nuestros padres y abuelos hablaban.”  Pero a medida que recorrió el mundo de la película, él dijo: “Esto es fantástico; a mis amigos les encantará.”  Tenemos una oportunidad de educar a la generación más joven de Japón respecto de esta historia porque se las estamos presentando en un mundo con el que se pueden relacionar.”

Para los miembros más jóvenes del elenco en el escenario, había mucho que aprender de sus colegas.  “Sanada es diligente”, elogia Akanishi.  “Se preocupa por todos y por todo.  Presta atención a cómo usamos nuestro vestuario y cómo nos movemos porque sabe tanto sobre la cultura japonesa.  Ha sido increíblemente útil y nos brindó todo su apoyo.”

Mientra Akanishi interpreta al más joven de los marginados, el resto de los principales guerreros samurai fueron interpretados por los actores japoneses MASAYOSHI HANEDA como Yasuno, HIROSHI SOGABE como Hazama, TAKATO YONEMOTO como Basho, HIROSHI YAMADA como Hara y SHU NAKAJIMA como Horibe.  MASAYUKI DEAI se incorporó como Isogai, mientras YORICK VAN WAGENINGEN interpreta al Kapitan de la Isla Holandesa y GEDDE WATANABE interpreta al Líder del grupo, que facilita a los hombres de Oishi su plan de atacar a los soldados de Kira.  Riku, que es la esposa de Oishi y la madre de Chikara, es interpretada por NATSUKI KUNIMOTO.

Finalmente, sumándose al muy respetado Min Tanaka, que interpreta a Lord Asano, el legendario actor y artista marcial Cary-Hiroyuki Tagawa se unió a la producción como Shogun Tsunayoshi, cuya palabra en este mundo feudal es una ley incuestionable.

 

De Budapest a Londres:

Escenarios, locaciones y diseño

 

            El rodaje de 47 Ronin se dividió entre trabajo de estudio en Budapest y la filmación en escenarios exteriores expansivos en Shepperton Studios cerca de Londres.   De hecho, el objetivo del equipo de producción era crear una visión romántica de Japón desde cero.  El productor McLeod agrega: “Muchas personas que no han estado en Japón tiene una visión en la mente de cómo podría ser Japón.  Esta película lleva eso a otro nivel: es más verde, más brillante.”

Abdy reflexiona sobre los desafíos que debería enfrentar desde el primer día: “Asocias el guión de Chris y Hossein con realizar la película en Londres y Budapest, e intentar recrear el Japón feudal.  Fue un proceso de múltiples niveles que requirió de muchas personas talentosas para llevarlo adelante.”

Los realizadores sabían que para hacer justicia para la producción, debían trabajar a gran escala.  Al mismo tiempo, necesitaban captar las idiosincrasias de la vida en el Japón del siglo XVIII mientras honraban su deseo de traer una toma nunca vista antes sobre el relato nacional de este país a la pantalla grande.

Rinsch analiza lo que se necesitaba: “Hicimos una investigación increíblemente diligente, asegurándonos que conocíamos la cultura y luego respetándola, haciéndola nuestra y cambiándola en forma tal que tendría sentido con cualquier cultura.  Sin embargo, los japoneses tienen una lógica codificada para tareas aparentemente cotidianas; el oriental siempre tiene que ser cuidadoso de no ofender.  Algo tan simple como asegurarse de que todos los kimonos se usen cruzados izquierda sobre derecha se vuelve sumamente importante.  Sólo después de la muerte se utiliza cruzado derecha sobre izquierda.  Si no eres cuidadoso, terminarás con un elenco de muertos vivientes.”

“Nuestros escenarios son grandes”, revela Abdy.  “Son elaborados.  Tienen extensiones de escenarios con efectos visuales.  Luego, está el detalle de la decoración del escenario, que es lo más auténtica posible, incluso hasta los detalles más pequeños como el té, las salas, las alfombras de tatami.  Hay una escena en la que Mika está maquillándose para prepararse para su boda con Lord Kira.  El detalle en todo, desde las brochas hasta la forma en que el maquillaje se coloca en los bowls, cómo se lleva, los colores, la forma en que se pone, la estructura misma del lápiz labial, hay un millón de esos elementos para obtener en cada departamento.”

La producción del diseñador nominado al Oscar® en dos oportunidades Jan Roelfs, que más recientemente diseñó el gigante trotamundos Fast & Furious 6, y su equipo se dispusieron a crear las locaciones icónicas de 47 Ronin.  En Budapest, su equipo construyó escenarios enormes para el patio de Ako, la isla Dejima y el bosque Tengu.  En Shepperton, construyeron el exterior de Ako y la fortaleza de Kira para el gran final de la película.

McLeod se toma un momento para elogiar el trabajo del equipo: “El detalle es extraordinario.  En el escenario de Ako, los árboles están en flor repletos de cerezas.  Eso, en sí mismo, es una visión japonesa icónica.  El marcado contraste entre la fortaleza de Ako, con sus hermosos cerezos en flor y la oscuridad de la fortaleza de Kira, se presta bien para el viaje de la historia de principio a fin.”

En síntesis, 15.000 cerezos en flor fueron hand-tied a cada árbol y los árboles eran tan grandes que tenían que ser desarmados en origen y enviados al Reino Unido por partes.  Los escenarios también fueron mejorados con plantas de bambú, 300 en total, cada una de aproximadamente 50 pies de altura, que habían sido traídas desde Italia, así como árboles bonsai de 3 pies de altura, algunos de los cuales tenían sorprendentemente más de 100 años.

Como ejemplo del trabajo en equipo de Roelfs, Reeves nos guía hacia el acto final de la película, el sitio de la fortaleza de Kira que fue rodado en el gran estudio de filmación de exteriores en Shepperton Studios:  “Los 47 Ronin obtuvieron la cooperación del grupo de actores que se supone actuaban esa noche para Lord Kira.  Tuvimos acceso al castillo y comenzamos a colocarnos estratégicamente allí.  Y llega este momento orquestado cuando vamos a intentar avanzar, quedarnos con la vida de Lord Kira y liberar a la princesa.”

El escenario era absolutamente ideal, afirma Asano.  “Era perfecto: horrible, frío y despojado.  En otras palabras, exactamente adecuado para el personaje de Kira.”

Reeves admite estar abrumado por el nivel de detalle con el que se desarrollaron los escenarios de la película, en especial, el trabajo realizado en la fortaleza de Kira.

“Tuvimos escenarios tan fantásticos”, dice con orgullo.

“Y se logró tanto en cámara.  Hay extensiones del escenario, efectos especiales y criaturas, pero tuvimos estos grandes escenarios.  Son películas a la antigua: escenarios enormes, muchos extras, vestuario, luces, cámaras, acción.  Comienzas a ver lo divertido de cómo los pocos, los Ronin, llegan a enfrentar a muchos.  Están las flechas y la lucha y el manejo de la espada, y tiene lugar a través de todos estos patios diferentes.”

En nuestra versión de la leyenda, Kai creció en el Bosque Tengu, un escenario construido por Roelfs y su equipo en Budapest.  Abdy se sintió especialmente movilizada con este escenario.  Ella dice con entusiasmo: “El Bosque Tengu es espectacular.  “Es probable el elemento más fantástico en la película, con respecto a escenarios, y tiene tantos elementos dentro de él.  Es una forma de que el público se sumerja en este misterioso lugar de donde viene Kai.”

Akanishi coincide, diciendo que la escena de la primera batalla de su personaje fue muy intimidante: “La cueva, en especial, era muy extraña y tenebrosa, y yo estaba impresionado por el nivel de detalle que el equipo puso en ella.  Fue increíblemente complejo.”  Fue el primer escenario para mí, y al verlo por primera vez, me fascinó.”

En Budapest, la producción construyó los alrededores de la isla de Dejima, un centro de comercio holandés que fue posteriormente consumido por el reclamo de tierras en la bahía de Nagasaki.  Es aquí que el comercio de Kai y Oishi explota, cuando el último hombre intenta liberar a Kai del cautiverio.

McLeod cree que no hay nadie mejor que Roelfs para visualizar el mundo de 47 Ronin.  Él elogia: “El proceso de pensamiento de Jan, no sólo por el diseño de la película, sino por cómo funciona con las complejidades de los dobles y los efectos visuales, tuvo todo en cuenta.”

 

Aves de presa:

Dobles y artes marciales

 

El coordinador de dobles GARY POWELL, que se desempeñó en este puesto en películas desde Skyfall y Quantum of Solace hasta Unstoppable y The Bourne Ultimatum, fue encargado de manejar los equipos de lucha.  Rinsch afirma: “Gary hizo un trabajo increíble.  Deseábamos obtener todo lo que pudiéramos en cámara de la lucha, y él lideró al equipo de dobles para lograr resultados increíbles.”

Reeves está familiarizado con los estilos de lucha asiáticos, ya que aprendió varias artes marciales cuerpo a cuerpo para su papel en la trilogía Matrix y su debut como director de Man of Tai Chi.  Sin embargo, la capacitación para 47 Ronin significó aprender estilos de lucha japoneses que involucraban armas.  Él comenta: “Comencé con la capacitación de espada katana básica antes de la producción e hice aproximadamente seis semanas de eso, sentando las bases.”

El estilo de lucha de Kai combina elementos básicos tradicionales con un mítico estilo de de lucha exclusivo de los maestros Tengu.  Asimismo, se informa durante su tiempo en cautiverio en la isla Dejima, en donde se convierte en lo que Reeves describe como un “perro luchador”.  El actor desarrolla: “Kai aporta todo este tipo de elementos de observar samurai, aprender las técnicas de la espada Tengu y luego técnicas de lucha.”

Reeves comparte una escena fundamental en Dejima contra Oishi, en donde el inesperado maestro de ceremonias observa cómo se despliega: “Durante esa lucha, nos conocemos a través de estilos y a través de la intención.  Kai se ha vuelto loco porque ha estado en la sala de matanza durante un año y se ha convertido en un animal asesino.  Pero Oishi lo trae de vuelta.”

Bastante habilidoso con el manejo de la espada, Sanada recuerda ensayar esta determinada escena durante semanas.  El actor explica: “Oishi es un maestro de la espada, pero en ese momento, Japón era pacífico, así que muchos samurai nunca utilizaron sus espadas.  Kai fue criado en Tengu, y su estilo de lucha era más salvaje.  Durante el curso del viaje, Kai y Oishi aprenden del estilo de lucha del otro.”

Reeves dice que Sanada lo ayudó cuando se trató de aprender el arte de la espada samurai.  “Sanada-san es arbitrario, de alto nivel”, se entusiasma.  “Él tiene un entrenamiento clásico con la espada.  Para él, todo tiene que tener un significado.  No desea tener acción por la acción misma.  Cada golpe fluye hacia el próximo, y él tiene muchos conocimientos.”

En la isla holandesa de Dejima, Kai encuentra otra criatura fantástica, el Oni (ogro), interpretado por Neil Fingleton (X-Men: First Class), que también interpreta al gigantesco soldado Brute de Kira al comienzo de la película, permitiéndole a Fingleton su segunda lucha de la película contra Reeves.  De pie con sus impresionantes 7’7”, Fingleton es el hombre más alto de Gran Bretaña.

Reeves cree que esta fue una de las peleas más duras de su carrera actoral: “Ahí está el desafío.  ¿Cómo peleas con alguien tan alto?  En términos de ataque, para mí se trata de trabajar alto y bajo.  Vas a los pies, e intentas llegar adentro.  Neil es un atleta profesional y tiene dominio de sus habilidades físicas, incluso cuando comenzó sin demasiada experiencia en luchas de dobles.”

Fingleton comparte su experiencia de ser el hombre más grande en el escenario: “Siempre he estado muy orgulloso de mi altura.  Keanu es un buen tipo y fue divertido conocerlo.  Con las luchas, se trataba de entender cómo se mueve cada uno de nosotros, y supongo que fue más duro para él porque tenía que luchar mirando hacia arriba.”  Él hace una pausa.  “Estoy mirando hacia abajo, pero ya estoy acostumbrado a hacerlo.”

Los samurai marginados no eran los únicos nombres para involucrar en la acción.  Akanishi admite que estaba fascinado de aprender el aspecto físico de su papel.  “Practiqué la lucha de la espada y cabalgar, y nunca antes lo había hecho”, se entusiasma.  “Fue divertido, y son buenas cosas para aprender.”

 

Soñando con el antiguo Japón:

Efectos visuales de 47 Ronin

 

            Se le encargó al supervisor de efectos visuales nominado al Academy Award® Christian Manz y a la galardonada casa de efectos FRAMESTORE la creación de las criaturas fantásticas que aparecen en 47 Ronin, así como las extensiones de fondo para los magníficos escenarios de la película.

Manz advierte que el enfoque de Rinsch fue fundamentalmente artístico.  Expresa: “En debates iniciales con Carl, hablamos sobre el arte y la creatividad más que sobre el aspecto técnico.  Me atrajo ver todas esas hermosas imágenes que él me mostraba. Estaba muy abierto a escuchar las ideas de otras personas y deseaba que todo se viera sorprendente.”

Un director que gana experiencia en el mundo de los comerciales, las influencias de Rinsch provienen de múltiples fuentes.  Aún así, los dos hombres hacen referencia a un nombre.  “Hablamos acerca de que la película se viera como una versión de acción en vivo de una película de Miyazaki”, recuerda Manz.  “El desafío consistía en hacer sentir que todo pertenece a ese mundo.  Queríamos que el diseño se sintiera arraigado, pero con un toque de fantasía.  Es un Japón que todos piensan que existió, pero probablemente sólo existió en los grabados de Hokusai.”

Manz trabajó estrechamente con Roelfs y su equipo para mejorar el trabajo práctico que logró el diseñador de producción.  Desde extender los múltiples patios y arrozales hasta crear un fondo oscuro y dramático para la fortaleza de Kira, un lugar emplazado encima de montañas nevadas y entre profundas quebradas, el departamento trabajó contra reloj.

Sin lugar a dudas, el trabajo más obvio del departamento de Manz estará en las criaturas fantásticas de la película: el dragón de la Bruja, el Oni de la isla holandesa y la temible criatura llamada Kirin.  Una de las secuencias más espectaculares de la película, una cacería de gran energía en un bosque para atrapar a Kirin, abre la película.  Abdy ser ríe: “Es nuestra gran persecución de automóviles.  Obviamente, no tentemos automóviles en esta película, ¿así que cuánto mejor crear ese ritmo y vibración con una gran criatura gigante en el medio del bosque?  El Kirin tiene energía, poder y movimiento.”

Para Manz, esa escena fue la acción más compleja durante la producción.  Él comenta: “La idea completa es que es una bestia majestuosa que ha sido envenenada y se volvió rabiosa.  Ha sido uno de los mayores desafíos: diseñar a la criatura y trabajar con el equipo de dobles y el equipo de diseño de producción para encajar en la escena.”

Hacer que la secuencia funcione significa lograr que la acción impacte con precisión.  Manz explica: “Se trata de diseñar un sendero en donde estará el Kirin, asegurándose de que los actores estén mirándolo y de que haya cierta interacción del mundo real con la criatura física.  Debíamos hacerlo, de modo que más tarde, cuando se pudiera poner en la escena y las personas reaccionaran ante ella, surgiera como un elemento creíble.”

Sanada dice que la escena es un momento esencial en la aventura.  “Establece que esta es una película de samurai, pero con grandes elementos de fantasía”, explica.  “Con el monstruo Kirin, se explica el tipo de sabor que tendrá la película.  También se aprende acerca del personaje de Kai, dado que él tiene el poder espiritual y las habilidades de lucha.  Para todos los actores, fue muy difícil de interpretar, porque nunca podíamos ver al verdadero Kirin allí.  La actuación y la imaginación se convirtieron de las únicas armas, y tuvimos que asegurarnos de que el público creyera.

Para Fingleton, interpretar el Oni en su escena de lucha principal con Kai en Dejima significó aceptar las realidades de actuar para efectos visuales.  “Básicamente no estaba en un traje de zanahoria durante una semana, y no fue un buen momento”, reflexiona.  “El Oni tenía una hoz, una pelota y una cadena, y él es este gran monstruo.  Fue una gran lucha, si bien Keanu me termina decapitando, que no fue bueno para mí.”

Manz explica el trabajo práctico que implicó lograr la escena fundamental entre Kai y el Oni: “Gary Powell creó la pelea entre Keanu y Neil.  Esencialmente, Carl dirigió esa lucha con los tipos reales allí, y recubrimos a Neil con nuestra criatura más adelante.”

Con la ayuda del equipo de efectos de Manz, en la posproducción, el Oni se convirtió en un ogro gigante, de color rojo y luchador.  Rinsch nos guió durante el proceso: “Neil usó un traje de ejercicios rojo y spandex, y lo usamos como nuestra base.  Luego, desarrollamos nuestro personaje CG encima de él, así que él luchaba con Keanu, que tenía la ventaja de luchar contra una persona real.  Tuvimos la ventaja de entender la iluminación y el movimiento real del cuerpo, así que el personaje CG parecía real.”

 

Vistiendo la fantasía:

Intrincado diseño de vestuario

            Crear el vestuario para la aventura de acción épica significó no sólo respetar las estrictas prácticas y estilos del Japón del siglo XVIII, sino también crear los aspectos de 900 extras, además del elenco principal.  Los extravagantes equipos estaban principalmente hechos a mano y el departamento de vestuario hizo un gran esfuerzo para crear elementos desde hermosos y coloridos kimonos hasta complejas y codificadas armaduras para los diversos soldados de la película.

El mayor desafío consistía en aceptar un período de la historia y una geografía montañosa muy poco familiar para el público occidental.   Para la diseñadora de vestuario Penny Rose, cuya experiencia en vestuario histórico y fantástico incluye proyectos tan diversos como las cuatro películas de Pirates of the Caribbean así como Prince of Persia: The Sands of Time, King Arthur y Shadowlands—el primer paso fue, naturalmente, investigar.  Ella comenta: “Sabíamos muy poco sobre el Japón del siglo XVIII, así que dos personas del departamento de vestuario fueron a Japón a visitar todos los museos en Tokio y comenzar una investigación.  No queríamos reproducir algo real, porque estábamos creando un mundo de fantasía.  Sin embargo, queríamos comenzar con una base de forma, y luego construir sobre ella.”

Rinsch describe su asociación: “Penny es amiga mía, alguien a quien conocía desde antes de comenzar la película.  En los primeros días, analizamos tomar algunos de los diseños originales e infundirles nueva vida, dándoles un estilo que no se haya visto antes.  Ella creó siluetas fuertes para cada uno de los diseños de los personajes, y se concentró en paletas y texturas de color específicas.”

La colaboración junto a Rinsch ha sido exitosa, afirma Rose.   “Él es muy visual, imaginativo e inteligente y siempre ve el panorama completo.  Se lo puede persuadir de intentar cosas que él no había pensado, pero luego él también tiene ideas interminablemente brillantes de la nada.  Es maravilloso trabajar con él porque está entusiasmado con el lado visual de la película.”

Una de las ideas más memorables de Rinsch fue recrear el aspecto de una pantalla japonesa en forma de vestuario.  “Para las siervas de Mika, hicimos una capa con un árbol en flor bordado en la espalda”, detalla Rose.  “Cuando se paran juntas, se puede ver el árbol entero.  Funcionó a la perfección.”

Sanada, el campeón de autenticidad de la película, elogia el arduo trabajo de Rose y su equipo: “Ha sido muy duro para Penny debido a la total diferencia entre la cultura oriental y occidental.  Pero ella lo ha hecho increíblemente bien.  Ella fue, sin lugar a dudas, la mejor persona para hacer la película.”

El arduo trabajo comenzó con la creación de más de 1.000 simples bajo-kimonos blancos, la base para cada uno de los vestuarios de la película.  “Respetamos la tradición en la formación básica del vestuario y luego salimos de lo común con los géneros”, afirma Rose.

Como fue cierto para todos los departamentos, los vestuaristas debían colaborar estrechamente con el grupo del diseñador de producción Roelfs.  Rose comenta: “Ha sido un honor trabajar con Jan, dado que sus escenarios son magníficos.  Nos asociamos para crear formas y colores que funcionaran con sus diseños y para asegurarnos de que todos los estampados no entraran en conflicto.”

Los elementos de diseño se filtran en todo el mundo de 47 Ronin.  Ya sea a través de la armadura de los caballeros o los engañosamente simples equipos de los pueblerinos, el público puede identificar con rapidez las poderosas lealtades de cada personaje.  “Ako, el lujar feliz, es rojo,” explica Rose.  “El mundo del villano, Kira, es de tonos violeta, y finalmente el mundo de los Shogun es dorado con un poco de turquesa.”

En un taller de Budapest, aproximadamente 400 juegos de armaduras se hicieron minuciosamente a mano a partir de plástico, permitiendo que sean livianas para llevar durante las múltiples secuencias de batalla de la película.  Esto protegió a los actores del agotamiento por calor.  Se construyó un prototipo único en cuero, el material tradicional usado al crear la armadura real, y un revolucionario proceso de replicación garantizó que las versiones de plástico fueran imposibles de distinguir del prototipo.  Rose se entusiasma: “El acabado de la réplica es el mejor que he visto en mi vida.”

Rose exploró intencionalmente el contraste en las opciones de vestimenta de Kai y Oishi.  Respecto de su inspiración de diseño, ella expresa: “Kai es un niño perdido.  Siempre se viste con ropas remendadas y andrajosas y todo le parece bien.  Por el contrario, Oishi tiene ropas increíblemente glamorosas.  Cada uno de sus vestuarios es muy complejo, con cuatro o cinco componentes, y tiene aproximadamente 10 o más aspectos en la película. Trabajamos estrechamente con Hiroyuki y estuvo muy interesado en el detalle.”

Para Mika de Shibasaki, Rose puso su atención en la alta moda.  Ella comenta: “Analizamos todas las casas que habían hecho colecciones con un toque oriental, como Dior en la década de 1990, Givenchy en la de 1960 y, por supuesto, Alexander McQueen.  Tomamos elementos de esos diseños y los combinamos con el tradicional.  Mika también tiene su propio esquema de colores de durazno, mandarina y pasteles muy suaves.  Todo es de seda y tiene cuello alto.”

Rose describe al malvado Lord Kira de Asano como el dandy del grupo.  “Él lleva cristales y joyas y mucha decoración, pero siempre con la misma silueta de hombros anchos”, explica.  “Viste definitivamente con suma elegancia.”

Kikuchi es efusiva respecto de los equipos que Rose diseñó para su personaje.  Ella comenta: “Los vestuarios que Penny preparó para mí hicieron que me diera cuenta de qué se trata realmente la Bruja.  Me resultaron muy útiles para meterme en el personaje.  Incluso podría decir que el papel sólo cobraba vida cuando me ponía el vestuario.  Penny me ayudó enormemente.”

El aspecto de su Bruja se completa con una serie de lentes de contacto de diferentes colores. “Los lentes me hacían ver loca y espeluznante”, se ríe Kikuchi.  “Con sólo usarlos el personaje se ve lo suficientemente misterioso para tener poderes mágicos.”  Rose tuvo que tener en cuenta el trabajo del equipo de efectos visuales al diseñar el vestuario de la Bruja.  Kikuchi agrega: “La Bruja puede cambiar su forma y transformarse en cualquier cosa desde un zorro hasta un género.”

Abdy estaba fascinada con el fruto del trabajo del equipo de Rose.  Ella dice con entusiasmo: “Estoy obsesionada con lo que han hecho con el vestuario de las mujeres.  Penny llevó la tarea a otro nivel; sus vestuarios son como alta costura.  Podrías ver a esas mujeres desfilando por una pasarela durante la Semana de la Moda en París.  Ella toma la autenticidad del mundo y le pone su sello, así que tiene una vibra muy moderna.  Ella es una fuerza.”

Manz dice que el vestuario de la Bruja es casi otra criatura en la película.  “Su vestido puede cambiar de forma y ella puede cambiar de forma también”, revela.  “Hemos hecho esto de manera interesante, en lugar de hacer transformaciones antiguas y cosas que hemos visto en la década de 1980.  Su vestido es algo que no habrán visto antes.”

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Mestizos y criaturas míticas, ¿Quién es quién en 47 Ronin?

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Kai es un intruso en un Japón etéreo del 1800, un mundo de intensidad brutal y belleza innegable, una época en la que se encuentran la historia y la fantasía.  Cuando le roban este amor prohibido, queda destruido y perdido.  Al navegar un paisaje imponente poblado de brujas seductoras con poderes aterradores, bestias míticas y una sociedad secreta mortal de monjes demoníacos, Kai debe unirse a una hermandad de intrusos en su misión compartida de venganza.  A continuación, brindamos una breve guía de quién interpreta qué papel en esta fantástica recreación de un mundo antiguo:

  • Kai (Keanu Reeves) es un huérfano que creció en el pueblo de Ako, en donde fue rechazado por ser mestizo.  Entrenado de niño por criaturas sobrenaturales llamadas Tengu, Kai huyó cuando se dio cuenta que no quería parecerse a ellas.  Rescatado del bosque por Lord Asano, él es un luchador ágil que está secretamente enamorado de la hija de Asano, Mika.  Cuando su maestro es engañado y encuentra una muerte temprana, Kai se une a Oishi y los Ronin (samurai sin maestro) para buscar venganza frente al traicionero Lord Kira.  Poco saben que su nuevo líder lucha con el poder de un demonio y guarda secretos que cambiarán sus destinos.
  • Lord Asano (MIN TANAKA) es un lord feudal que gobierna la provincia de Ako con un puño firme pero justo.  Él y su samurai dan con Kai de 13 años en el bosque y se lo llevan con ellos cuando el mestizo era apenas un niño.  Asano es testigo de la creciente atracción entre su hija y Kai, pero la tradición dicta que esta unión nunca será permitida en esta vida.
  • Mika (Ko Shibasaki) es la hija de Lord Asano y ha estado enamorada de Kai desde que se conocieron cuando niños.  Ella hará lo que sea para proteger al extraño rechazado por casi todos en su pueblo, incluso si esto significa ser obligada a casarse con Lord Kira para salvar la vida de Kai.
  • Oishi (Hiroyuki Sanada) es el celebrante samurai de rango superior de Lord Asano.  Cuando Asano es obligado a cometer un suicidio ritual, después de ser falsamente acusado de atacar al compañero feudal Lord Kira, Oishi y su compañero samurai son obligados a vivir como Ronin.  Viajando por el campo durante años, Oishi reúne a los Ronin para ayudar a vengar la muerte de su maestro.  Cuando se da cuenta lo que debe hacer, Oishi ve que la última persona que desea que se una a sus filas es el mismo guerrero que más necesita: Kai.
  • Los ancestros de Lord Kira (Tadanobu Asano) sacrificaron sus vidas para poner a la familia Shogun en el trono.  Mientras Kira tiene un lugar junto a Shogun, él esta fervientemente celoso de que su maestro haya elegido honrar a la provincia de Ako de Lord Asano.  Con la ayuda de la Bruja, Kira conspira derrocar a Asano, casarse con la hija de Asano, Mika, y tomar el control de la provincia de Ako…observando cómo su imperio mal concebido crece pieza por pieza.
  • La Bruja (Rinko Kikuchi) es una malvada criatura antigua que cambia de forma, sirve a Lord Kira y utiliza la realidad como su juguete.  Kira le ordena a esta seductora sirena que use sus poderes para transformarse en otras personas y criaturas y lo ayude a derrocar la casa de Lord Asano y lograr su objetivo de dominar al país.  Su reluciente ojo azul permanece en cualquier forma que ella adopte.
  • Chikara (JIN AKANISHI) es el hijo de 16 años de Oishi, un hombre joven que anhela ser un honorable samurai como su padre.  Kai secretamente entrena a Chikara en las formas del Tengu y le enseña técnicas de lucha no convencionales que algún día lo salvarán.  El joven Chikara acompaña a su padre para ayudar a los Ronin a vengar la muerte de su maestro.
  • Shogun Tokugawa Tsunayoshi (CARY-HIROYUKI TAGAWA) es el lord de las provincias y el maestro de todo Japón.  Lord Asano recibe a los Shogun, junto con los otros daimyos (lords feudales) en Ako y celebra una reunión para mostrar solidaridad entre los clanes.  En honor a la visita de los Shogun, Asano organiza un torneo entre los mejores luchadores de los clanes.  Sin embargo, la desgracia llegará pronto a Asano, y se deberá pagar un precio.
  • El gigante armado Brute (NEIL FINGLETON) que pelea para Lord Kira está vestido con ropa de batalla inspirada en el delirio más horroroso de H.P. Lovecraft.  Este guerrero virtualmente indestructible erguido en sus casi ocho pies de altura en su armadura, monta un monstruoso caballo de guerra y blande su espada negra a la velocidad de la luz.  Se cree que nadie en esta Tierra puede detenerlo…ni siquiera Kai.
  • Comandados por Tengu Lord (TOGO IGAWA), los monjes Tengu son criaturas sobrenaturales que viven en el Bosque Tengu, también conocido como el “mar de los árboles”.  Criaron a Kai después de que su madre lo abandonara de bebé y le enseñaron cómo luchar a la velocidad de la luz.  Cuando los Ronin buscan revancha por la muerte de su maestro, los Tengu son las criaturas a las que recurren para las únicas armas que posiblemente podrían vencer al masivo e imparable ejército de Kira.
  • El torturado Ogro (Neil Fingleton) hace su hogar en una isla holandesa hecha por el hombre, que está compuesta por naves europeas y alberga un puesto comercial que es un laberinto de vicio e iniquidad.  Este demonio malvado tiene un gran cuerpo rojo y lucha contra prisioneros indefensos en un terreno de la isla.  ¿Quién sigue en su lista de peleas?  Kai.
  • Foreman (RICK GENEST) es el maestro de un fenómeno de fantasía cuyo cuerpo entero está ilustrado con arte corporal gótico. Un forajido subversivo que dirige un antro de peleas que enfrenta a un hombre con un monstruo por puro entretenimiento, obtiene más de lo que esperaba cuando Kai ingresa al ring contra el Ogro.

Fecha de estreno en México 31 de enero de 2014

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Lenovo adquirirá Motorola Mobility de Google

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Lenovo y Google firmaron hoy un acuerdo definitivo bajo el cual Lenovo planea adquirir la unidad de negocios de teléfono inteligentes Motorola Mobility. Con una fuerte presencia en el negocio de PCs y el crecimiento de su unidad de teléfonos inteligentes, este convenio fortalecerá significativamente la posición de Lenovo en el mercado de los smartphones. Adicionalmente, Lenovo ganará una fuerte presencia en el mercado de Norteamérica y Latinoamérica, y de igual manera servirá como punto de apoyo en Europa Occidental, para complementar su fuerte y creciente negocio de teléfonos inteligentes en los mercados emergentes alrededor del mundo.

El precio de compra es de aproximadamente $2 mil 910 millones de dólares (sujeto a ciertos ajustes), incluyendo $ 1.41 mil millones de dólares pagados al cierre, compuesto de $660 millones de dólares en efectivo y $750 millones de dólares en acciones ordinarias de Lenovo (sujeto a un límite máximo de participación). Los $1.5 mil millones de dólares restantes se pagarán en la forma de un pagaré a tres años.

Lenovo, que en 2005 adquirió el negocio de Computadoras Personales de IBM y su legendaria marca de PCs, ahora se vuelve propietario de la reconocida Motorla Mobility, incluyendo la marca MOTOROLA y el innovador portafolio de teléfonos inteligentes de Motorla Mobility, como el Moto X, el Moto G y el DROIDTM Ultra Series. Además de sus productos actuales, Lenovo será propietario de los planes futuros de los productos de Motorla Mobility.

Google mantendrá el dominio de la mayoría del portafolio de patentes de Motorola Mobility, incluyendo las patentes de aplicaciones actuales y la divulgación de invenciones. Como parte de su relación continua con Google, Lenovo recibirá una licencia para esta amplia cartera de patentes y otras propiedades intelectuales. Además Lenovo recibirá más de 2,000 activos de patentes, así como la marca Motorola Mobility y carteras de marcas.

Motorola Mobility goza de notoriedad como marca destacada en todo el mundo, y es actualmente el tercer fabricante de teléfonos inteligentes Android  en los Estados Unidos y el tercer fabricante global en América Latina.

“La adquisición de una marca tan icónica, con un innovador portafolio de productos y un equipo global increíblemente talentoso, enseguida hará a Lenovo un fuerte competidor mundial en Smartphones. Vamos a tener de inmediato la oportunidad de convertirnos en un actor global fuerte en el espacio móvil de rápido crecimiento”, dijo Yang Yuanqing, presidente y CEO de Lenovo. “Estamos seguros de que podemos unir lo mejor de ambas compañías para entregar productos que a los clientes les encantarán , además de tener un negocio cada vez más fuerte. Lenovo cuenta con un historial probado de abrazar con éxito y  fortalecer grandes marcas – como lo hicimos con la marca Think de IBM – e integrar sin problemas y de manera eficiente empresas de todo el mundo. Estoy seguro de que tendremos éxito en este proceso, y que nuestras empresas no sólo mantendrán el impulso actual en el mercado, sino también construirán una base sólida para el futuro”.

“Lenovo tiene la habilidad y la trayectoria para convertir a Motorola Mobility en el jugador más importante dentro del ecosistema de Andorid. Este movimiento permitirá a Google dedicar su energía en el manejo de la innovación alrededor del ecosistema de Android, para beneficio de los usuarios de Smartphones de todas partes,” dijo Larry Page, CEO de Google.

“Como parte de Lenovo, Motorola Mobility tendrá un camino rápido para alcanzar nuestra meta de otras 100 millones de personas con internet móvil. Con los recientes lanzamientos del Moto X y Moto G, estamos en un gran momento y la habilidad del hardware de Lenovo y el alcance global, solo ayudaran a acelerar esto,” dijo Dennis Woodside, CEO de Motorola Mobility.

La transacción está sujeta a la satisfacción de los requisitos reglamentarios, las condiciones de cierre habituales y cualesquiera otras autorizaciones necesarias.

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Autodesk realiza DevDay en México

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Autodesk anuncia que relizará el próximo 12 de febrero, la cuarta edición de Dev Day, su evento para desarrolladores, que por primera vez se abrirá al público.

El objetivo de este encuentro, cuyo tema es “Revolución, cuando la computadora de escritorio encuentra la nube”, es discutir con profesionales que desarrollan soluciones moviles sobre la evolución de los servicios basados en la nube, los cuales han ganado mucho reconocimiento a lo largo del último año, así como la integración de productos de Autodesk.

“Vamos a debatir, sobre como clientes y empresas pueden trabajar juntos de forma eficiente, una vez que la evolución en la tecnología colaborativa está siendo cada vez más dinámica”, afirma Silvio Guido, Gerente Senior de la comunidad de desarrolladores  de Autodesk Network para Américas.

Para inscribirse u obtener informes, debe registrarse en el link http://developer-days.autodesk-services.com/uk/registration/5

El evento es gratuito y será realizado en las oficinas corporativas de Autodesk México en la Ciudad de México.

 

*Las inscripciones estarán sujetas a aprovación de los organizadores del evento, ya que el cupo es limitado.

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Notas de producción: La gran aventura LEGO

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Fecha de estreno 7 de febrero 2014

“LA GRAN AVENTURA LEGO®” es la primera aventura LEGO® en el cine de larga duración.

Dirigida por Phil Lord y Christopher Miller (“Cloudy with a Chance of Meatballs”, “21 Jump Street”) la historia original animada por computadora en 3D sigue a Emmet, una minifigura LEGO, perfectamente común y respetuoso de las reglas, a quien cofunden por error con El Especial (The Special), la persona más extraordinaria y la clave para salvar al mundo. Lo reclutan en una sociedad de extraños que tiene la misión épica de detener a un tirano malvado, un viaje para el cual Emmet está cómicamente mal preparado y sin esperanza alguna.

Chris Pratt es la voz de Emmet. Will Ferrell es la voz de President Business, alias Lord Business, un tenso director ejecutivo a quien le resulta difícil equilibrar el dominio del mundo con la micro-gestión de su propia vida, y Liam Neeson es la voz del fiel secuaz de Lord Business, Bad Cop/Good Cop, que no se detendrá ante nada para atrapar a Emmet.

Quienes prestan las voces al equipo rebelde de Emmet en esta misión heroica son Morgan Freeman como el antiguo y místico Vitruvius; Elizabeth Banks como la tipa dura Wyldstyle, quien confunde a Emmet con el salvador del mundo y lo guía en su misión; Will Arnett como el misterioso BatmanTM, una minifigura LEGOcon la cual Wyldstyle comparte una historia; Nick Offerman como el arrogante pirata Metal Beard, obsesionado con vengarse de Lord Business; Alison Brie como la tierna y encantadora Unikitty, y Charlie Day como Benny, el chico espacial de 1980.

 

Warner Bros Pictures presenta, en asociación con Village Roadshow Pictures, en asociación con LEGO System A/S, una producción de Vertigo Entertainment/Lin Pictures: “LA GRAN AVENTURA LEGO”, con la participación estelar de Chris Pratt, Will Ferrell, Elizabeth Banks, Will Arnett, Nick Offerman, Alison Brie y Charlie Day, con Liam Neeson y Morgan Freeman.

El guión está escrito por Phil Lord y Christopher Miller, basado en una historia de Dan Hageman y Kevin Hageman; Phil Lord y Christopher Miller, basada en los juguetes de construcción LEGO.

“LA GRAN AVENTURA LEGO” fue producida por Dan Lin y Roy Lee.  Jill Wilfert, Matthew Ashton, Kathleen Fleming, Allison Abbate, Zareh Nalbandian, Jon Burton, Benjamin Melniker, Michael E. Uslan, Seanne Winslow, Matt Skiena y Bruce Berman se desempeñaron como productores ejecutivos, y John Powers Middleton como coproductor.

El equipo creativo cinematográfico incluyó al cinematógrafo Pablo Plaisted, al diseñador de producción Grant Freckelton, a los editores David Burrows y Chris McKay, y al compositor Mark Mothersbaugh.

Chris McKay también se desempeñó como codirector de animación.

“LA GRAN AVENTURA LEGO” será distribuida por Warner Bros. Pictures, una empresa de Warner Bros. Entertainment, y en territorios selectos por Village Roadshow Pictures.

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LEGO, el logotipo de LEGO, la configuración de las minifiguras, los bloques y el botón son marcas registradas de The LEGO Group. ©2014 The LEGO Group. Utilizado con permiso. Todos los derechos reservados.

BATMAN, WONDER WOMAN y todos los personajes y elementos son marcas registradas de y © DC Comics.

WYLDSTYLE

…Lo único que puede detener al Kragle es la Pieza de la Resistencia (The Piece of Resistance) y, según la profecía, quien la encuentre es El Especial (The Special). Se cree que El Especial unirá a los Master Builders que quedan, tomará por asalto la Octan Office Tower de Lord Business, pondrá la Pieza de la Resistencia en el Kragle y lo desarmará para siempre.

EMMET

Genial. Creo que entendí. Pero por si acaso,

¿me lo dices todo de nuevo? No estaba escuchando.

Cualquiera que alguna vez haya diseñado un universo con un montón de partes en el piso de su habitación sabrá a qué se refieren los escritores/directores de “LA GRAN AVENTURA LEGO” Phil Lord y Christopher Miller cuando dicen que, al crecer, siempre tenían baldes de bloques LEGO®.  “Armábamos naves espaciales y toda clase de cosas locas, pero no era solo la construcción, eran las posibilidades infinitas de cosas para hacer y expresar lo que era tan irresistible y emocionante”, dice Miller.

Como cineastas, su interés se concentró en algo distinto. “A Chris y a mí nos inspiró la inventiva y el humor que surge de la comunidad internacional LEGO”, afirma Lord, refiriéndose a puntos de venta como LEGO Cuusoo, el sitio de presentación de productos nuevos potenciales de seguidores del LEGO Group, los foros “ReBrick” donde las personas pueden compartir sus creaciones, y la cantidad cada vez mayor de cortos únicos, utilizando bloques y minifiguras LEGO, que individuos de todos los rincones del mundo producen y comparten en línea.

Tal es la fascinación con la marca LEGO, un juguete de construcción que evoluciona sin parar y es enormemente popular, que ha cultivado la creatividad en generaciones y culturas desde su origen. Comprometidos con preservar ese principio, Lord y Miller sabían desde el comienzo que no sería una animación común, sino un largometraje hecho completamente con bloques y elementos LEGO.

“Ambos pensamos”, continúa Lord, “‘¿No sería increíble hacer una aventura LEGO enorme, divertida, llena de acción que capture la sensación de ser un niño que arma estas piezas, pero a una escala verdaderamente épica?’ ¿Y qué pasaría si pudiera conservar esa calidad casera que tienen todas estas pequeñas películas que es tan entrañable? Porque parte del atractivo de los bloques LEGO es lo accesibles que son como forma de arte, queríamos hacer una película que pareciera que cualquiera podría hacer en el sótano de su casa… ¡siempre que tuviera un sótano gigante y un par de millones de bloques!”

En realidad, casi 15 millones, si contamos cada bloque, personaje, pieza del set y utilería necesarios, con los que los cineastas finalmente hicieron realidad su visión para la película.

Familiar y atrevida,  “LA GRAN AVENTURA LEGO” no solo ofrece gran acción y grandes risas, sino también grandes ideas.

“Quería hacer una película que pudiera disfrutar con mis hijos, algo que capturara la imaginación y la inventiva de los niños”, afirma el productor Dan Lin, uno de los arquitectos del proyecto. “Más importante aún, tengo dos hijos, y son muy activos, así que a veces los juguetes se caen y se rompen. Lo que me encanta de los juguetes LEGO es que no sólo puedes armar algo con ellos, sino que puedes volver armar algo aún mejor”.

Ese es un sentimiento que comparten no sólo los cineastas sino también el reparto vocal de estrellas, muchos de los cuales expresan de la misma manera un afecto personal por el material. Will Ferrell, que encarna el papel de President Business y su identidad oculta, Lord Business, expresa: “Ahora como padre es muy divertido ver a mis hijos jugar con bloques LEGO como yo solía hacerlo, es interesante ver a mi hijo de 3 años tan absorto como el de 9 años. Lo difícil es abstenerme de decires: ‘Dame eso; yo voy a armar esta parte’. Debo resistirme y dejarlos explorar solos”.

De hecho, “hay dos maneras distintas en que la gente juega con los bloques LEGO”, describe Miller. “Una es seguir las instrucciones del kit y armar esta cosa increíble, sea lo que sea, que luego pones en el estante y no usas jamás para que no se rompa, y la otra es tomar una pila aleatoria de piezas y hacer algo con tu propia imaginación, luego desarmarlo y hacer otra cosa. ‘LA GRAN AVENTURA LEGO’ usa estos dos enfoques distintos como base de su historia, que se trata realmente de la innovación, la creatividad y la importancia del cambio”.

El productor Roy Lee considera a los directores “dos de las personas más creativas que conozco. Hicieron un trabajo increíble en ‘Cloudy With a Chance of Meatballs’, que era un libro bastante breve, y reinventaron algunos de los personajes y ampliaron lo que estaba escrito. Con el concepto LEGO, teníamos un lienzo en blanco y eran los tipos perfectos para inventar todo un mundo nuevo para explorar”.

 

Pero es un mundo que se dirige a un final desastroso si no fuera por un héroe accidental: Emmet.

Un obrero de la construcción que se autodefine como un don nadie, Emmet se apega a las reglas en cada aspecto de su vida, satisfecho creyendo que es la persona más común y poco notable del mundo, hasta que una crisis de proporciones monumentales revela un lado sorprendentemente extraordinario que él no conocía.

“El primer día hablamos de nuestras experiencias de armar algo con bloques LEGO y la frustración que a veces sentíamos cuando no encontrábamos alguna pieza de inmediato. Esa sensación encapsula quién es Emmet para nosotros”, dice Dan Hageman, que, con su hermano y compañero escritor Kevin Hageman, trabajó en la historia con los guionistas Phil Lord y Christopher Miller. “Cree que la felicidad está relacionada con seguir las instrucciones, pero el destino del mundo dependerá de que él descubra su propia creatividad”, agrega Kevin.

Chris Pratt, la voz de Emmet, dice: “Este desafío lo lleva a través de reinos LEGO que no sabía que existían, donde todo es ridículo pero de buena manera. Todo es hermoso, imaginativo, emocionante y muy divertido. Hay personajes adorables, sets increíbles, acción alocada, mucho amor y un mensaje muy positivo con el que puedes sentirte cómodo de que lo vean tus hijos”.

“Hay varios temas, pero el central es que todos tenemos algo especial adentro”, explica Lin.

Lee agrega: “Aunque puedas pensar que eres una persona común, puedes tener un impacto enorme sobre el mundo que te rodea”.

Se unen a Pratt y Ferrell en transmitir estas ideas a través de sus caracterizaciones vocales Elizabeth Banks, Will Arnett, Nick Offerman, Alison Brie, Charlie Day, Liam Neeson y Morgan Freeman.

“Todos se divirtieron muchísimo”, afirma Banks, que grabó algunas de sus escenas como la chica rebelde Wyldstyle junto a Pratt y Arnett. “Todos tratábamos de hacer reír a los demás. A Chris y Phil les encanta este mundo y diseñaron todo concentrándose en lo divertido y en hacerlo lo más fresco y original posible, y la pasamos genial con estos personajes”.

Parte de eso, cree Lord, viene con el territorio: “Hay algo muy divertido acerca de un personaje lindo y amarillo brillante con proporciones LEGO que se hace el duro, o amenaza con destruir al mundo. Es tan gracioso verlos tomarse todo con tanta seriedad”.

Lo que los cineastas se tomaron genuinamente con seriedad fueron los preceptos tradicionales de la marca LEGO y lo que significa para sus legiones de seguidores en todo el mundo. Lord expresa: “Fue un poco aterrador hacer una película basada en un juguete tan confiable y querido. Fue un honor tremendo, aunque también una responsabilidad”.

Visualmente, Lord y Miller buscaron un estilo de animación por computadora no tradicional de fotografía real que se pareciera a la animación cuadro por cuadro, para darles a los personajes y los sets la adorable estética casera que define a la construcción LEGO. En vez de trucar las imágenes con fondos computarizados perfectos y bloques dibujados, los animadores crearon cada componente individual y armaron cada escena bloque por bloque; una técnica que demostró ser especialmente útil cuando la historia requirió la destrucción de edificios y otros objetos y luego su rearmado, inmediatamente, en armas o vehículos de escape de alta velocidad.

“Es fácil hacer líneas rectas con imágenes virtuales, pero el aspecto que queríamos era táctil u orgánico”, explica Lord. “Es más complicado hacerlo de esa manera pero eleva la calidad de la película y está más a tono con los valores de la historia. Dedicamos una gran cantidad de investigación y desarrollo en quitar los rayones y las marcas de huellas digitales, y en tratar de lograr una cantidad realista de variación e irregularidad en cómo se arman y se desarman los bloques”.

Para ejecutar estos conceptos, los cineastas trabajaron con el famoso estudio de animación Animal Logic, con sede en Australia, y aceptaron con gusto a Chris McKay del famoso “Robot Chicken” como codirector de animación. McKay coordinó los esfuerzos de cientos de artistas mientras se desempeñaba como uno de los editores de la película, manteniendo un flujo constante de comunicación e invención entre los directores, los guionistas gráficos, los animadores y los editores. Lin afirma: “McKay desempeñó tantos roles en esta película. No podríamos haberla hecho son él”.

Como recuerda McKay: “Phil y Chris fomentaron un ambiente alegre dentro de y entre los diversos departamentos, así que podíamos analizar nuestras ideas y ver hasta dónde podíamos llevarlas. Fue un flujo muy orgánico y creativo desde que colocamos los storyboards, hasta la animación y el diseño durante todo el proceso”.

Para los cineastas, las limitaciones físicas de las minifiguras LEGO es su encanto, así que no había duda de alterar eso para adaptarlas a una aventura en la pantalla grande. En la película, los personajes se mueven e interactúan auténticamente, a menudo como si los moviera una mano oculta. Incluso en sus expresiones, el mandato era no desviarse del repertorio estándar de las minifiguras: bocas, cejas y ojos pintados y planos. Pero dentro de esas pautas, McKay y su equipo minaron un rango de emoción.

Lo innovador de “LA GRAN AVENTURA LEGO” es su escala ambiciosa y la medida en la cual usa bloques LEGO como medio para lograr profundidad, riqueza y acción. “Todo lo que ve el público (ya sea humo o agua, formaciones rocosas, fuego o incluso explosiones) está hecho con piezas LEGO. Queríamos describir elementos naturales hechos de bloques como nunca se habían visto en la pantalla grande”, afirma Lin.

“Cuando ves el océano LEGO con las olas de bloques ondulantes, la tormenta que cae sobre el barco pirata y la enormidad a su alrededor, es salvaje”, comenta Miller. “Usamos iluminación y ángulos de cámara que se esperarían en una película de acción de gran presupuesto, para hacerla lo más cinematográfica posible”.

“Mi cosa favorita es cómo la historia atraviesa distintos mundos LEGO”, dice Lord. “Empezamos haciendo un storyboard de una persecución llena de acción que empieza en la ciudad y termina en el viejo oeste. Se convierte en una pelea en la cantina hasta que los policías de la ciudad interrumpen y luego parece una película de policías de los 70, como  ‘Bullitt’, y es divertido ver a los elementos combinarse y chocar sin que nadie se salga de ritmo”.

“Luego aparece Batman y se pone aún más loca”, agrega Miller.

Además de favoritos como el LEGO BatwingTM, la película incluye un arsenal de vehículos nuevos fantásticos, que permiten a Emmet y a sus amigos evadir o enfrentar a sus enemigos en las calles de la ciudad, en el mar, bajo el mar o en el espacio exterior. También presenta un reparto de héroes y villanos nuevos, que interactúan con un grupo diverso de minifiguras LEGO existentes extraídas de años de historia y cultura popular.

Durante los tres años de desarrollo y producción, los directores a menudo se apoyaron en su colección privada para inspirarse. “Nuestras oficinas estaban llenas de bloques LEGO y siempre estábamos probando maneras tontas de armarlos o usarlos para ilustrar un punto de la trama. De hecho ahora tengo puestos pantalones de LEGO”; afirma Miller, lo que lleva a Lord a agregar: “Armé la silla de mi escritorio con bloques LEGO. Y estos zapatos. No son los zapatos más cómodos, pero te acostumbras. El truco es que los tienes que amoldar”.

Fieles seguidores y originales, ambos aportaron reverencia e irreverencia a “LA GRAN AVENTURA LEGO.”

Dice Miller: “Lo que siempre tratamos de hacer con las películas es crear algo que nos haría reír y haría reír a nuestros amigos. Nunca queremos hacer algo que les hable a los niños con condescendencia”.

“Obviamente, los niños y sus padres la entenderán”, dice Lord, “pero queríamos unir las generaciones y recordar que hay una comunidad de seguidores adultos de LEGO que arman las creaciones más complejas e increíbles que a lo mejor un niño nunca podría imaginarse. Mis películas favoritas son aquellas a las que puedo llevar a mi abuelita, o a mis padres y a mi novia, o a mis sobrinos, y saber que las disfrutaremos juntos. Es la mayor diversión que puedes tener en un cine, cuando la gente de todas las edades se ríe junta”.

 

WYLDSTYLE

Tengo novio, así que no te hagas ninguna idea.

 

EMMET

Nunca tengo ideas.

            Emmet nunca tuvo un manual de instrucciones que no le gustara. Sean cuales sean las reglas, las sigue con gusto; sea cual sea la canción que se escuche en la radio, él la canta, sea lo que sea que los demás almuercen o vean en televisión, a él no le molesta. Incluso, consulta un libro para recordarle ducharse y ponerse los pantalones (en ese orden) todas las mañanas antes de unirse a los ciudadanos de Bricksburg en su ordenado viaje al trabajo.

“Queríamos alguien que tuviera un lado cómico increíble como protagonista, pero también alguien que pudiera ser tierno y terrible, que encarnara este espíritu de ‘tipo común’.  Chris Pratt fue nuestra primera elección de inmediato”, explica Lord.

Todos los días en el equipo de construcción, Emmet destroza edificios considerados “raros” y lo reemplaza con los que son exactamente iguales a los otros, por órdenes de President Business. Pratt dice: “La ciudad de Bricksburg es una extensión enorme donde todo se ve igual y son todas casas modulares prefabricadas, y toda área que tiene estilo se destruye. Así que se está construyendo como un modelo homogéneo, utópico, aunque rápidamente sientes que hay una oscuridad oculta aquí; algo controla a la gente de Bricksburg”.

Pero la vida como él la conoce está a punto de cambiar cuando Emmet accidentalmente se desvía del camino en el sitio de construcción, cae de cabeza a un pozo recién excavado y conoce a la intrusa Wyldstyle: la mujer más hermosa y emocionante que ha conocido. Desde su capucha negra pintada con grafitis a las mechas turquesas y rosas en su cabello, hasta su actitud que toma el control, claramente esta mujer no tiene nada de común.

Elizabeth Banks afirma: “Me encantó ser una heroína de acción. Wyldstyle intenta hacer honor a su nombre. Tiene un aspecto rebelde, que es algo con lo que creo que la mayoría de los niños puede relacionarse, y desafía los límites un poco para establecer su manera de hacer las cosas con su vida y con su aspecto. Lo que me encantó del personaje es que es inteligente y es fuerte. Tiene poderes increíbles y mucho atrevimiento, y no es una damisela en apuros. Llegó para salvar el día”.

Mientras grababa su diálogo: “Rara vez usaba zapatos”, revela Banks. “Generalmente estaba descalza porque me gusta saltar y moverme. No puedes hacer ruido sobre la voz, así que tengo que quitarme los zapatos, especialmente en una película de acción. Hay muchos golpes y saltos y carreras, e hice todo eso detrás del micrófono”.

Wyldstyle es una Master Builder, la primera que ha conocido Emmet. “En la historia, hay individuos legendarios llamados Master Builders, que son muy creativos y pueden tomar una pila de bloques, o lo que haya disponible, tal vez una señal de alto y un basurero, desarmarlos y volverlos a construir. Pueden convertir cualquier cosa en cualquier otra cosa”, explica Miller.

“Nuestra idea era que todos los personajes extraordinarios de la historia y la literatura fueran Master Builders, así que personas como Shakespeare y Abraham Lincoln, Wonder WomanTM y Robin Hood estarían juntos en ese panteón de héroes, compartiendo sus habilidades extraordinarias”, agrega Lord.

Pero los Master Builders, anteriormente venerados, han sido obligados a ocultarse porque President Business, alias Lord Business, aborrece su espontaneidad e innovación. Lo que es peor, no está satisfecho con forzarlos a ocultarse. Quiere eliminarlos al igual que a su influencia completamente con una horrible súper arma secreta llamada Kragle, y Wyldstyle es parte de la rebelión que trata de detenerlo antes de que sea demasiado tarde.

Cuando Wyldstyle se encuentra con Emmet en el sitio de construcción, está buscando la única cosa que puede frustrar el terrible plan de Lord Business, según la profecía: La Pieza de la Resistencia (The Piece of Resistance). Cuando esa pieza vital aparece inexplicablemente fusionada en la espalda de Emmet, le guste o no, el tipo cuya única ambición en la vida es encajar, de repente se convierte en El Especial, la persona más importante del universo. Y la más buscada. Antes de que sepa qué está pasando, Emmet corre a toda velocidad a través de la ciudad en la motocicleta armada personalmente por Wyldstyle (que sigue modificando a lo largo del camino) perseguidos por los robots asesinos de Lord Business.

Will Ferrell llama a su personaje “un verdadero maniático controlador”. Lord Business maneja todo y no quiere ninguna expresión creativa ni que nadie construya nada que no esté en el instructivo. Construyó todo el universo de la manera en que lo quiere, perfecto, y lo vuelve loco que la gente se atreva a cambiar las cosas”.

“Él mismo es un Master Builder frustrado, y generalmente no es una muy buena persona, que se convierte en súper villano y quiere pegar todo el universo con pegamento para que siempre sea exactamente como él lo diseñó”, explica Miller.

Lord Business también es notablemente alto para una minifigura LEGO, observa Ferrell. “En su personalidad pública como President Business tiene un aspecto más agradable, muy corporativo, un traje de tres piezas y una corbata y ni un cabello fuera de lugar. Sin embargo, cuando revela su verdadero yo, el maníaco Lord Business, usa una capa imponente y botas de 6 metros (o el equivalente a 6 metros en términos LEGO) para parecer más malvado y aterrador”.

El secuaz principal de Lord Business es el alternadamente intimidante y alocado Bad Cop/Good Cop, una minifigura de cabeza giratoria con personalidad múltiple, cada una de las cuales es interpretada por Liam Neeson.

“Lo que es tan fresco sobre Bad Cop/Good Cop es que literalmente vemos ambos lados de él”, explica Dan Lin. “Es Bad Cop cuando ejecutan las órdenes de Lord Business, y es el tipo duro y directo que solemos ver en las películas. Luego tiene también este lado de Good Cop, así que tiene una lucha interna. Un lado de su rostro tiene las gafas de sol espejadas y los dientes apretados y es muy serio, y el lado opuesto es mucho más suave, con una sonrisa, y Liam le da a cada personalidad su propia identidad”.

“Cuando vi parte de la animación, y teniendo en cuenta la historia de la policía de Nueva York, pensé que debía ser irlandés, y específicamente del norte de Irlanda”, dice Neeson, que le dio a Bad Cop ese acento particular, mientras que le dio una inflexión marcadamente distinta a su otra mitad. “Good Cop también es irlandés, pero es un poco más animado”.

Neeson también da voz al padre de Bad Cop/Good Cop, Pa Cop.

El actor encuentra ecos de leyenda Artúrica en el viaje de Emmet, diciendo: “La base de todas esas historias era la cruzada, ir tras lo imposible y tratar de ganarlo y, en el proceso, mejorar el mundo, y esa es ciertamente la base de ‘LA GRAN AVENTURA LEGO’”. Además de eso, lo que más lo sorprendió fue su humor. “Las ocurrencias que estos personajes se lanzan son extraordinarias, este diálogo alocado, brillante y chiflado”.

Neeson y Ferrell ensayaron algunas de sus interacciones e improvisaron juntos, vía auriculares, mientras Neeson estaba en un estudio de grabación en Nueva York y Ferrell estaba en Los Ángeles. “La actuación medida y en su mayoría seria de Liam como Bad Cop yuxtapuesta con el enfoque cómico impresionante de Will sobre Lord Business es graciosísima”, opina Lin.

En el caso de Morgan Freeman, es su famosa voz rica y autoritaria la que hace la caracterización del mago supuestamente sabio Vitruvius tan cómica. Ya sea en sus papeles dramáticos o narraciones de documentales, la infalible entrega de Freeman le presta un aire de verdad y sustancia a lo que esté diciendo. Sin embargo, el público comprenderá rápidamente que no todo lo que dice Vitruvius es confiable; ni tiene mucho sentido.

Un antiguo mago hippie en sandalias y camiseta teñida apenas visible debajo de su voluminosa barba blanca, “Vitruvius habla muy bien pero es un poco confuso con los detalles: como la profecía y cómo, exactamente, van a detener a Lord Business”, admite Miller. “Es casi como si lo estuviera inventando en el momento”.

Los admiradores de siempre del trabajo de Freeman se verán sorprendidos de que esta sea la primera vez que aplica su voz resonante a una película animada.

Una vez en posesión de la Pieza de la Resistencia (The Piece of Resistance), Emmet, Wyldstyle y Vitruvius deben encontrar la forma de usarla, pero su llamado de ayuda a los Master Builders fracasa cuando esos individuos consumados se ven sobrecogidos por la falta de experiencia de Emmet; sin mencionar ideas, habilidades, confianza y cualquier cosa que se parezca a un plan.

Afortunadamente, el trío aún tiene algunos amigos en los que puede confiar: el novio enigmático de Wyldstyle, Batman, con la voz de Will Arnett; la tierna pero algo cerrada Unikitty, con la voz de Alison Brie; un pirata notablemente ingenioso llamado Metal Beard, con la voz de Nick Offerman; y un descabellado astronauta llamado Benny, con la voz de Charlie Day.

Siempre intrépido, siempre oscuro, y siempre con voz grave, Batman demuestra la clase de espíritu de equipo que tiene, cediéndole el papel de héroe principal a Emmet aunque Emmet casi le está robando la novia. Pero está bien, dice Arnett, porque: “como novio, LEGO Batman no es el mejor. Está un poco ensimismado y probablemente no es tan sensible como debería serlo. Pero oye, es Batman y se ocupa de muchas cosas”.

Compartir sus sesiones de grabación les permitió a Pratt, Banks y Arnett armonizar sus papeles de una manera que rara vez se logra en las películas animadas. “Pudimos desarrollar un ritmo sobre cómo trabajaban estos personajes entre ellos y cómo se complementan y fue algo genial que, creo, rinde dividendos en la pantalla”, agrega Arnett.

El primer destino del grupo es Cloud Cuckoo Land, un nuevo entorno creado para la película y descrito como un reino sin reglas, sin gobierno, sin hora de ir a dormir, sin caras enojadas y sin negatividad. Es presidido por Unikitty, una especie de gatita esponjosa que es cruza con unicornio y bañada en azúcar. Al menos por fuera…

“Cloud Cuckoo Land es un maravilloso campo de juegos donde todo es divertido y liviano, y Unikitty es toda gomas de mascar, algodones de azúcar y felicidad. Pero no la hagas enojar”, advierte Brie. “Tiene un carácter fuerte. Nunca sabes cuándo va a explotar”.

“Fue divertido interpretar a Unikitty porque sus cambios de humor son muy extremos”, continúa. “Tiene algunos problemas de manejo de la ira. Cuando se enoja, trata de decir cosas agradables, solo que de mala manera, lo cual es un buen ejemplo de la clase de humor adulto que hay en la película. Los niños la pasarán bien y los adultos entenderán estas bromas que los niños entenderán luego”.

Ese no es tanto el caso con Metal Beard, que en sí mismo es una broma visual andante. “Es un pirata loco que perdió el cuerpo en una batalla con Lord Business e ingeniosamente, aunque irregularmente, reemplazó todas sus partes con una variedad de herramientas y objetos que lo hacen parecer una navaja suiza, con una cabecita en la parte superior”, dice Miller.

“Un brazo es un tiburón y el otro una especie de cañón”, explica Offerman, “lo cual lo hace especialmente salado, malhumorado y en busca de venganza”.

Para la voz de Metal Beard, el actor dice: “Tomé el espíritu de las ilustraciones y las secuencias animadas que me habían mostrado y traté de capturar ese aspecto, con una noción de simpatía, más una combinación de todos los dibujos animados que me encantaron en mi vida, todo mezclado en un gulash sabroso que se convirtió en Metal Beard. Cambias muchos pronombres, como: ‘pasadme aquella botella de ron’. Por alguna razón hacer que los pronombres sean arcaicos los hace sonar más marítimos y, por supuesto, hay que decir el ocasional ‘Arrrgh’”.

El miembro final del grupo es Benny, el astronauta. Junto a Batman, el astronauta es una de las dos minifiguras LEGO existentes en papeles principales, mientras que las minifiguras de Emmet, Wyldstyle, Vitruvius, Lord Business y Bad Cop/Good Cop fueron diseñadas para la película, al igual que los dos personajes armados con bloques, Metal Beard y Unikitty. Un viajero espacial de principios de los 80, Benny fue una parte amada de las infancias de Phil Lord y Chris Miller y no había manera de que fueran a excluirlo de la diversión.

Benny usa un casco con la mentonera rota, lo que sugiere que la falta de oxígeno podría haber contribuido a su estado mental actual. Afirma el supervisor de animación por computadora de Animal Logic, Damien Gray: “Trabajamos mucho en envejecerlo, darle marcas de dientes, rayones y polvo pues existe desde hace más de 30 años. Todo es parte de su carácter. Está un poco desbaratado y desubicado, desplazado en tiempo y espacio”.

Sin embargo, sigue siendo útil. Lin dice: “Benny agrega un nuevo sabor al grupo y eleva la energía, y pocas personas pueden aportar energía como Charlie Day.  Benny entra en la historia una vez que el resto del equipo está formado. No está seguro de cómo puede ayudar pero es entusiasta, aunque su comprensión de la tecnología es muy anticuada y esto lo frustra constantemente”.

 

SE REQUIERE ENSAMBLAJE

 

 

“Todo es increíble. Todo es genial

cuando eres parte de un equipo”.

            En el trabajo en “LA GRAN AVENTURA LEGO” ejemplificó el espíritu de la canción principal locamente pegajosa y divertida de la película, que proclama: “Todo es genial cuando eres parte de un equipo”.

La producción se realizó más o menos simultáneamente en tres lugares: el centro de Los Ángeles, donde se desarrollaron los conceptos, la historia, los personajes y el diseño y donde los directores Lord y Miller pasaron gran parte del tiempo; la producción física, en el estudio de animación Animal Logic en Australia, donde el editor y codirector de animación Chris McKay se mudó para trabajar con un equipo interno de 250 personas para ejecutar esas ideas; y oficina central de LEGO en Dinamarca, donde los diseñadores principales bajo la dirección del vicepresidente de Diseño Matthew Ashton (también productor ejecutivo de la película) ofrecieron su experiencia para ayudar a moldear algunos de los personajes únicos y la utilería que idearon los cineastas.

El proceso fue más cíclico que lineal, con las ideas y el arte moviéndose en un flujo continuo. Los cineastas viajaban a Dinamarca o Australia, y los artesanos clave de Animal Logic y LEGO Group viajaron a Los Ángeles. Sin embargo, principalmente se basaron en conferencias de video diarias y software cineSync, lo que le permitió revisar y editar juntos en tiempo real.

Fue importante que todo en la pantalla no estuviera ensamblado con bloques virtuales enderezados individualmente sino que se pudiera armar teóricamente con bloques reales, así que la integridad estructural de algunas de las piezas del set más complejas se probó en la oficina central de LEGO. Los dibujos, las ideas y las descripciones pasaban de la oficina de producción de Los Ángeles a la operación de LEGO Dinamarca, donde a veces se armaba y fotografiaba un modelo para que lo revisaran los directores. Luego se hacían ajustes en ambos lugares, a menudo repeticiones múltiples, antes de que se entregara el diseño final a los animadores para crear un modelo en computadora, que luego desataba otra ronda de ajustes.

“The LEGO Corporation fue muy práctica”, dice Roy Lee. “Les mostramos lo que queríamos hacer y dieron muchas ideas geniales sobre cómo hacerlo funcionar o que funcionara mejor”.

“Decíamos: ‘Necesitamos una nave espacial, o necesitamos un barco pirata que se convierta en submarino’, y nos daban algo increíble que no sólo se veía genial sino que tenía humor”, explica Dan Lin. “Compartíamos esos modelos con los animadores y pensábamos cómo llevar esos diseños a la película”.

En otros casos, los animadores originaban sus propios modelos utilizando la enorme biblioteca de bloques que ya habían armado.

Al revisar inicialmente el guión con los cineastas, Matthew Ashton dice: “Hubo mucho trabajo que podía hacer el equipo de animación sin nuestro apoyo, pero hubo ciertas cosas clave en las cuales pensamos que podíamos ofrecer ayuda. Tengo un equipo de 60 diseñadores, todos con distintas especializaciones. Algunos son muy buenos en los modelos clásicos; algunos son buenos en las cosas espaciales futuristas; y otros son excelentes en funcionalidad, trampillas, cómo salen las armas de un vehículo y esa clase de cosas. Tomamos el material de referencia y lo ejecutamos de una manera que tenía sentido desde el ángulo del armado y que también se vería bien en la pantalla. Lo más importante para nosotros era la historia y trabajar con los cineastas para asegurarnos de que cuando sus ideas pasaran a lo material para la pantalla se viera súper impresionante”.

“En verdad ha sido una sociedad con nuestros diseñadores de la película y los diseñadores LEGO”, coincide Lin, “porque conocen las capacidades y los límites de los bloques mejor que nadie pero, al mismo tiempo, nuestro equipo pensaba las cosas de manera cinematográfica, y le dieron una perspectiva distinta a cómo utilizar un bloque LEGO. Así que artistas de ambos lados trabajaban juntos”.

“Nuestras filosofías centrales están alineadas con lo que tratan de promocionar, en cuanto a imaginación, calidad y diversión, y nos dejaron hacer la película que queríamos hacer”, explica Miller del grupo LEGO. “Todos teníamos el mismo objetivo: hacer esta película lo mejor posible. Nos han apoyado mucho”.

El aporte de los jugueteros fue especialmente invaluable para las secuencias de acción que requerían desarmar utilerías y estructuras existentes y volver a armar sus partes en objetos nuevos, como por ejemplo un edificio que pasaba a ser un camión, un camión que pasaba a ser un avión. El supervisor de animación por computadora Aidan Sarsfield de Animal Logic explica: “En la historia, una gran parte del arsenal de los Master Builders es que pueden armar algo de la nada. Los elementos de un callejón se pueden convertir en un auto de escape, y eso presentaba ciertos desafíos interesantes para la gente de ingeniería y los diseñadores que armaban los sets, las piezas individuales y la utilería. Debían pensar cómo armar un auto con piezas que también podían usarse para formar un callejón”.

“Produjeron casi 24 modelos distintos basándose en nuestra idea de una escena donde cafeterías, autos, camiones de basura y camiones de helado en una calle de la ciudad se convierten en increíbles máquinas voladoras que se pueden utilizar en una pelea de perros”, ofrece como ejemplo Lord. “Era una idea tanto concentrada como abierta, y los diseñadores LEGO nos dieron cosas fantásticas”.

“Un trabajo así requiere la inteligencia de muchas personas distintas”, dice finalmente, “y refleja de qué trata la película, al fomentar la clase de ambiente donde puede florecer la creatividad”.

 

 

 

 

Bloque a bloque

 

            Como la imaginaron Lord y Miller, “LA GRAN AVENTURA LEGO” tendría que verse y parecer  como una película de acción, y eso orientó toda decisión creativa, desde las primeras etapas.

El diseñador de producción Grant Freckelton declara: “Se hicieron decenas y decenas de bosquejos antes de que cualquier persona hubiera unido dos bloques. Cada película animada se debe armar desde cero pero ésta se tuvo que crear desde cero con piezas LEGO, así que tuvimos que traducir todas nuestras ideas a esa forma”.

Freckelton y su equipo descargaron el software gratuito y disponible públicamente llamado LEGO® Digital Designer. “Pudimos empezar a diseñar y armar desde nuestros dibujos, utilizando bloques LEGO virtuales”, dice. “Además, nos dieron una pared de partes, con cada parte individual disponible y número de parte, así que, al construir, podíamos remitirnos a las piezas individuales, tomar fotos, darnos una idea de la forma y de todos los detalles finos. Hubo mucha macro fotografía de bloques reales, porque lo que buscaban Chris y Phil era un realismo fotográfico absoluto y la sensación de estar realmente dentro de un juego LEGO”.

Se hicieron bloques, modelados individualmente, para mostrar señales sutiles de desgaste, como si hubieran sido utilizados en el transcurso normal de juego, en vez de ser idénticos y recién sacados de la caja, y luego se presentaron en una manera tal de asegurar que esas gradientes fueran visibles en la pantalla. El supervisor del departamento de Iluminación Craig Welsh, de Animal Logic, trabajó muy de cerca con Freckelton para lograr este efecto. “Hicimos mucha referencia fotográfica en distintas condiciones de iluminación, con distintas construcciones, para desarrollar los sombreados, las superficies y las texturas”, dice. “El sombreado predeterminado era bastante insulso y sabíamos que debíamos trabajar en pequeñas incongruencias como rayones y marcas en el plástico en nuestro trabajo de superficie para que la luz reaccionara de maneras realistas, como lo haría si sostuvieras un bloque LEGO muy de cerca. Luego preparamos las luces para los sets, la utilería y los personajes para que pareciera que estuvieran dentro de un set en miniatura e iluminados con luces reales.

“Si quieres realismo fotográfico a menudo no es una sensación de lo que percibes sino de lo que no verías si no estuviera ahí”, agrega Welsh. “Es un error que puede sacar a alguien de la sensación de que está viendo algo real, por eso pusimos tanto esfuerzo y atención en ello”.

Eso ocurrió en cada aspecto del proyecto. Dice Dan Lin: “Cada detalle tenía que ser correcto y exactamente como fue imaginado. Chris y Phil se preocuparon mucho por el panorama general y las minucias. Su enfoque inspiró al resto del equipo a hacer lo mismo. Incluso para una escena tan engañosamente simple como la apertura en el departamento de Emmet, pasamos horas y horas discutiéndola, yendo y viniendo con distintas repeticiones”,

“LA GRAN AVENTURA LEGO” contiene 3,863,484 bloques LEGO únicos. Algunos se vuelven a utilizar y se reconfiguran en múltiples escenas, armando sets, personajes y utilería, lo que da un total de 15,080,330 bloques; la cantidad que una persona necesitaría si quisiera recrear toda la película a mano.

La película también presenta 183 minifiguras únicas, muchas de las cuales son particularmente especiales para los directores. En una visita previa a LEGOLAND® Billund en Dinamarca, Phil Lord vio una cantidad de minifiguras nuevas y volvió a encontrarse alegremente con algunas de sus favoritas de la infancia, que quiso incluir. Recuerda: “Si algo era nuevo para mí, un clásico que había olvidado, tomaba fotos y se las enviaba a Chris, y decía: ‘¿Hay alguna manera de que podamos incluirlo en la película, quizás hacer que este tipo camine por el fondo?’ Las piezas con tema espacial de fines de los 70 y principios de los 80 son una parte importante de la película porque crecimos con ellas, muchos seguidores adultos de LEGO tienen una gran nostalgia por esa época”.

El cinematógrafo y supervisor de diseño de Animal Logic, Pablo Plaisted, definió adicionalmente el sentido de acción en vivo que los cineastas querían darle a la animación adoptando los desafíos únicos de filmar en un mundo LEGO. El más importante de ellos, dice: “Fue encontrar un lenguaje visual que el público reconociera instantáneamente como animación cuadro por cuadro y al mismo tiempo nos diera la libertad de adoptar lo genial de los gráficos por computadora. Necesitamos que el público creyera que está viendo algo real y diminuto y al mismo tiempo hacer que esa cosa diminuta pareciera grande y cinematográfica. No sólo eso, las proporciones únicas de los personajes significaban repensar incluso suposiciones básicas sobre los cuadros. El resultado final es un aspecto muy único y emocionante”.

 

 

 

 

 

 

WYLDSTYLE

“Tienes la habilidad de ser El Especial

porque creo en ti”.

 

Al público le puede asombrar cuánto llega a preocuparse por el destino de pequeños personajes de plástico amarillo con caras pintadas, lo cual Phil Lord y Christopher Miller atribuyen a los animadores de Animal Logic y a la dedicación de Chris McKay. “Es increíble ver cuánta humanidad Chris y su equipo pudieron darles a estos personajes, junto a las interpretaciones de los actores, basándose solo en nuestras ideas y algunos dibujos”, afirma Lord.

McKay desempeñó roles dobles para la película, primero como editor mientras se desarrollaban la historia y los storyboards y luego mudándose a Australia para supervisar la animación. Más conocido por su trabajo en la aclamada serie de Cartoon Network “Robot Chicken”, su historial en animación cuadro por cuadro/animación con plastilina demostraron ser un valor agregado para “LA GRAN AVENTURA LEGO,” que, si bien no se filmó cuadro por cuadro, debía tener un ritmo similar.

La intención, dice McKay, no era hacer que las acciones de las minifiguras fueran fluidas, sino trabajar con ellas como son en realidad. “Sólo hay una cantidad de movimientos que pueden hacer técnicamente, doblarse y girar, así que tuvimos que pensarlo muy bien. A veces los hacemos caminar o saltar, y otras veces parece que una mano levantó al personaje y lo impulsó hacia delante”.

Todo se reduce a los detalles, explica el coproductor del departamento de historia Igor Khait. “Si tratas de crear una ilusión de vida utilizando pedacitos de plástico, debes prestar una atención tremenda a los detalles. No hay toma simple. Incluso una toma en la que Emmet se mueve en su habitación y saca un libro del estante puede necesitar muchas revisiones y ediciones para hacerla creíble. Significa mucho movimiento matizado”.

Para mantener la integridad de la minifigura LEGO, los rasgos de los personajes debían permanecer planos, como adhesivos en 2D. Como explica el supervisor del departamento de Animación de Animal Logic, Alfie Olivier: “Es un rostro en 2D en un personaje 3D”. Fue un proceso meticuloso el producir un catálogo de ojos, bocas y cejas que luego se proyectaban a los personajes para ayudar a hacer a Emmet encantador, a Wyldstyle intrigante, amenazador a Bad Cop, y a Lord Business simplemente loco.

“Chris McKay es fenomenal”, continúa  Olivier.  “No creo haber trabajado con un director de animación que fuera tan expresivo con cada pequeña emoción como si él fuera el personaje. No cabía duda alguna de lo que debíamos hacer”.

McKay alentó a los animadores a imaginar lo que experimentaban sus creaciones y cómo se podía trasmitir no solo en sus expresiones sino en su lenguaje corporal. “Se trataba de comportamiento auténtico”, dice. “Quería que todo se sintiera lo más real posible y eso significaba comprender qué pensaban y sentían estos personajes.  ¿Cuán compasivos e identificables podemos hacerlos?”

Había una variedad de maneras en que Phil Lord y Christopher Miller podrían haber enfocado una película LEGO, siendo una de ellas la animación tradicional, pero eso no habría honrado la experiencia LEGO para ellos, o su encanto intrínseco. Desde el origen del proyecto, la única manera en la que imaginaron una aventura de acción LEGO para la pantalla grande fue la manera en la que finalmente se concibió y produjo “LA GRAN AVENTURA LEGO”: invitar al público a un universo LEGO fantástico y familiar, con la promesa de que cualquier persona podría hacer lo mismo.

Dice Lord: “La gente habla mucho de que vivimos en una época en la que mucha creatividad se otorga a terceras personas. Pero los bloques LEGO llevan la creatividad a la casa de todos, y eso es lo que nos atrajo como cineastas; hacer una película que no sólo sea entretenida sino que celebre la innovación y la imaginación y quizás inspire a otras personas a hacer obras originales. Así que fue un buen maridaje de una idea con nuestro objetivo de hacer que la gente sea más creativa. Ese es nuestro malvado plan maestro”, bromea.

“No lo consideramos una marca sino un medio, como la plastilina”, dice Miller, que, al igual que Lord e incontables personas en el mundo, tiene recuerdos invaluables de tardes perdidas sumergidos en otros mundos de su propia creación. “Es como la plastilina para contar historias, vuelcas esos bloques y tratas de armar un castillo o una estación espacial, o lo que quieras. Y cualquiera puede hacerlo. Las posibilidades son infinitas”.

Conferencia Wikileaks en México y Taller de seguridad digital

Conferencia Wikileaks en México y Taller de seguridad digital en la UAM

Las revelaciones hechas por Wikileaks, más allá de ser un duro golpe para el gobierno de Estados Unidos, sacó a la luz información importante para otros gobiernos, incluido México. La Jornada fue uno de los medios de comunicación elegidos para acceder a la totalidad de los documentales y su posterior categorización.

El 28 de enero Pedro Miguel (La Jornada) y Enrique Rosas (Fundación Rosa Luxemburgo) compartirán su experiencia y punto de vista en la conferencia Wikileaks en México y proyectos sustentados en Software Libre, que se impartirá en la sala Miguel Ángel Granados Chapa de la UAM Xochimilco a las 11:00 horas.

Además Hacklab Autónomo, impartirá un Taller de Seguridad Digital en Sala 4 de CECAD 13:00 a 19:00 Hrs., al que te podrás inscribir hasta el 30 de enero, este paso es importante ya que es cupo limitado.

Conferencia Wikileaks en México y Taller de seguridad digital

Epson moverio bt-200

Moverio, los anteojos inteligentes de Epson

Los Epson Moverio BT-200, con sistema operativo Android, permiten experimentar intensamente una combinación de los mundos físico y digital con visor transparente, cámara entre otras funciones.

Su precio en la tienda de EUA es de $699.99 USD y la disponibilidad para otras regiones será paulatina.
Epson moverio bt-200
Epson, anunció el lanzamiento de su segunda generación de anteojos inteligentes Moverio que funcionan con sistema operativo Android que ofrece funciones para experiencias de entretenimiento digital y de realidad aumentada.

Con un diseño liviano y elegante, Epson Moverio BT-200 es un visor binocular que utiliza un sistema miniaturizado de lentes de proyección basado en la tecnología LCD (pantalla de cristal líquido) y una guía de luz óptica en cada extremo que proyecta, en el mundo real, capas transparentes de contenido digital en la parte central del campo de visión de los lentes. Esto permite una combinación continua del mundo físico y el digital y así, la plataforma tecnológica de Moverio BT-200 da lugar a un nuevo mundo de aplicaciones de realidad aumentada para consumidores y empresas comerciales.

A través del software de terceros y del sistema de seguimiento de cabeza de los anteojos, se puede acceder a una experiencia panorámica de 360 grados. Para una óptima privacidad de visualización, Moverio incluye exclusivos ángulos con guías de luces que evitan que otras personas puedan ver el contenido proyectado.

Características

• Visualización luminosa y transparente con una resolución de 960 x 540 píxeles (QHD).
• Sensores (giroscopio, acelerómetro y compás magnético) que habilitan el sistema de seguimiento de cabeza para los juegos y la navegación en modo manos libres.
• Una cámara en la parte delantera para capturar imágenes y videos, y detección de marcadores para aplicaciones de realidad aumentada que brinda a los usuarios información relevante sobre el mundo real.
• Una unidad de control manual con sistema operativo Android 4.0 que brinda un sólido ambiente de desarrollo de código abierto y que permite a los usuarios acceder a una creciente selección de aplicaciones de realidad aumentada.
• Conectividad Wi-Fi integrada que ofrece un modo inalámbrico para ver videos en transmisión continua y un adaptador inalámbrico opcional de creación de reflejo para la transmisión continua de videos en alta definición desde dispositivos externos con conectividad HDMI, como reproductores de DVD, decodificadores, etcétera.
• Compatibilidad nativa con el formato MP4 de H.264 (video) y codificación AAC que permite la reproducción de videos en alta definición.
• Compatibilidad con Bluetooth 3.0 que ofrece la conectividad inalámbrica en las gafas, los parlantes, teclados y demás periféricos.
• Una ranura de tarjeta MicroSD de hasta 32 GB de memoria externa, permitiendo a los usuarios ver y disfrutar contenido personal, tales como fotos, videos y música inclusive cuando el acceso inalámbrico no está disponible.
• La tecnología Dolby Digital Plus crea una experiencia de sonido envolvente que complementa la experiencia visual.

“Los anteojos inteligentes Epson Moverio BT-200 ofrecen a los consumidores una nítida visualización de videos como así también acceso a increíbles y nuevas experiencias de realidad aumentada e información relevante según sus intereses y necesidades personales”, comentó Atsunari Tsuda, Gerente General de la División de Productos Visuales de Epson. “Aprovechando el liderazgo de Epson en la tecnología de proyección LCD e imágenes visuales, el visor transparente y las poderosas y nuevas funciones de las gafas Moverio BT-200 brindan a los usuarios una nueva manera de ver el mundo”.

“Asimismo, la plataforma tecnológica Moverio puede servir como base para diseñar herramientas visuales altamente eficientes en una amplia variedad de aplicaciones comerciales y de mercados verticales, incluyendo entrenamiento, logística, ciencia, medicina, seguridad, educación y mucho más”, explicó Tsuda. “Epson está actualmente trabajando con organizaciones y socios de desarrollo para introducir estas aplicaciones al mercado”.